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Dizzie Gillespie: carismatico innovatore del Jazz mondiale

21 ottobre 2024

Il 21 Ottobre del 1917, a Cheraw, nella Carolina del Sud, U.S.A., nasceva il grande trombettista Jazz Dizzie Gillespie, che fu anche pianista, cantante, percussionista e compositore. Il modo di suonare la tromba di Gillespie era noto per la sua competenza tecnica, il registro acuto e le intricate improvvisazioni. La sua tromba piegata, con la campana rivolta verso l’alto, divenne un simbolo iconico del suo stile e della sua innovazione. Oltre al suo modo di suonare, Gillespie era un influente bandleader. Formò diverse big band e piccoli ensemble che comprendevano molti dei principali musicisti jazz dell’epoca. Le sue big band erano note per i loro arrangiamenti serrati e composizioni innovative. Gillespie è stato anche determinante nella promozione del jazz latino, collaborando con musicisti come Chano Pozo, Machito e Mario Bauza. La sua incorporazione di ritmi e strumenti afro-cubani nella sua musica ha ampliato i confini del jazz e ha influenzato le future generazioni di musicisti. Nel corso della sua carriera, Gillespie ha continuato ad evolversi e ad adattarsi, incorporando nuovi stili e influenze nella sua musica. Si è esibito e registrato ampiamente, facendo tournée in tutto il mondo e diffondendo l’influenza del jazz in tutto il mondo. Oltre ai suoi successi musicali, Gillespie era noto per la sua personalità carismatica e per il suo ruolo di ambasciatore culturale. È stato nominato ambasciatore culturale per gli Stati Uniti, utilizzando la sua musica per promuovere la comprensione e la buona volontà a livello internazionale. Dizzy Gillespie muore il 6 gennaio 1993, ma il suo impatto sul jazz rimane incommensurabile. Ha lasciato una ricca eredità di registrazioni, composizioni e innovazioni che continuano a ispirare sia i musicisti che il pubblico. I suoi contributi al bebop, al jazz afro-cubano e al jazz moderno hanno consolidato il suo posto come una delle figure più importanti nella storia del jazz.

Woody Guthrie, il padre della canzone di protesta

14 luglio 2024

Il 14 luglio 1912 nella cittadina di Okemah in Oklahoma nasce il folksinger Woody Guthrie, considerato universalmente il padre della moderna canzone di protesta statunitense. Autore di oltre tremila canzoni popolari.
Icona dell’era della Depressione e ha scritto la canzone di protesta più famosa al mondo, “This Land Is Your Land”. Ma non era solo un cantautore, e i suoi argomenti andavano ben oltre la politica sindacale. L’intero corpus della sua creatività – inclusi testi, poesie, opere d’arte e scritti in prosa in gran parte inediti – comprendeva argomenti come l’ambiente, l’amore, il sesso, la spiritualità, la famiglia e la giustizia razziale. Guthrie ha creato una filosofia personale che ha influenzato generazioni di americani e ha ispirato musicisti-attivisti da Pete Seeger e Bruce Springsteen ad Ani DiFranco e Chuck D. Come ha notato Bob Dylan di Guthrie, “Potresti ascoltare le sue canzoni e imparare davvero a vivere”.
Guthrie fu registrato per la prima volta nel 1940 da Alan Lomax, che si era innamorato della musica popolare rurale del sud mentre viaggiava nel sud con suo padre, John Lomax, che stava effettuando registrazioni d’archivio della musica dei prigionieri neri del sud. Nel 1940, Lomax, che era assistente direttore dell’Archivio di canzoni popolari presso la Biblioteca del Congresso, registrò una raccolta di interviste e canzoni di Guthrie per la Biblioteca. Le registrazioni furono infine pubblicate nel 1964 da Electra. Queste registrazioni sono un ascolto essenziale per Guthrie. Sempre nel 1940, la Victor Records registrò un’altra raccolta fondamentale, le Dust Bowl Ballads. Nel 1944 Moses Asch, un pioniere della registrazione con un amore per la musica folk americana, organizzò una serie di sessioni di registrazione in cui Guthrie, accompagnato occasionalmente da Cisco Houston, Sonny Terry e Leadbelly, registrò oltre 150 canzoni popolari originali e tradizionali. Molte di queste prime registrazioni furono pubblicate dall’etichetta Folkways di Asch e sono ancora disponibili oggi, inclusi tre volumi di canzoni per bambini intitolate Songs to Grow On.
Guthrie trascorse gli ultimi 15 anni di vita in ospedale, affetto dagli effetti degenerativi della malattia ereditaria della corea di Huntington. Durante questo periodo, gli anni ’50 e ’60, la musica folk divenne una tendenza importante e Guthrie divenne una leggenda vivente, al suo capezzale visitavano aspiranti cantanti folk come Bob Dylan, che celebrò l’uomo nella sua “Song to Woody”. Durante un fine settimana di visita a casa insegnò ad Arlo Guthrie, suo figlio dal secondo matrimonio e cantante folk di successo, i versi radicali che aveva scritto per “This Land is your Land”, che secondo lui erano in pericolo. di perdersi ora che la canzone veniva proposta come sostituto di “Star Spangled Banner” come inno nazionale .

Woody Guthrie

17 giugno 2024

Alessandro Portelli definisce “il più grande poeta rivoluzionario americano”, Woody Guthrie, figura fondamentale della cultura popolare americana degli anni Trenta. Le sue canzoni raccontano da vicino la realtà operaia e contadina, le storie e i sentimenti collettivi che si collocano naturalmente all’interno di quella che fu la grande stagione delle lotte sociali negli Usa, segnata da scioperi generali, occupazioni di fabbriche, proteste contadine, parallelamente al diffondersi, dopo il 1929, di un proletariato bianco che viveva nelle stesse condizioni di miseria del proletariato nero.

Negli anni Quaranta Guthrie si trasferì a New York, al Greenwich Village, dove con Pete Seeger, Lee Hays e Millard Lampell formò gli Almanac Singers, e quindi con Leadbelly, Sonny Terry e Brownie McGhee ebbe la breve esperienza degli Headline Singers. Era una prima forma di canzone apertamente riferita al sociale, dichiaratamente politica, spesso schierata a sinistra, fortemente legata ai movimenti culturali che si stavano sviluppando negli Stati Uniti.

Guthrie ha scritto decine e decine di canzoni di limpida ed epica bellezza (basta citare quella sorta di inno non ufficiale degli Stati Uniti che è This Land Is Your Land, o la canzone che ha dato anche il titolo alla sua biografia, Bound for Glory), lasciando dietro di sé una scia profonda che ha illuminato il lavoro e l’arte di molti cantautori, primo fra tutti Bob Dylan e, non ultimo, Bruce Springsteen.

Proprio in questa continuità, che è alla base della rivoluzione della moderna musica popolare operata soprattutto da Dylan, si può riconoscere la straordinaria importanza di Woody Guthrie, la basilare e fertile influenza da lui esercitata sulla definizione stessa di folksong, e per successivi passaggi sui versi del rock, che spesso usa riferirsi a Guthrie come a una leggenda di purezza a sfondo mitico, un esempio di incontaminata onestà intellettuale, di devozione totale alla funzione della musica come prodotto di militanza, non solo politica (sulla chitarra Guthrie aveva scritto che era un’arma per uccidere i fascisti) e più in generale di partecipazione alle vicende della vita, ma con accento tutt’altro che personale e individualistico. Nelle canzoni di Guthrie la persona di riferimento è sempre il «noi», l’autore non parla mai di sé, e quando lo fa è in chiave di appartenenza a una comunità, più o meno riconoscibile.

Mary Gauthier — The Foundling (2010)

21 novembre 2023

Anche la Gauthier come Roky Erickson non ha avuto certamente una vita facile, infatti, The Foundling (Il Trovatello) altro non è che la sua biografia in musica.

Abbandonata fin dalla nascita in un orfanotrofio ci rimane fino all’età di quindici anni e quando esce imbocca immediatamente la strada della droga. Queste esperienze com’è logico immaginare lasciano un segno profondo nella sua vita, The Foundling parla di questo. Un disco triste quindi, estremamente personale e catartico dove la cantautrice attraverso le canzoni racconta parte dei suoi ricordi delle sue vicissitudini e delle sue speranze.

The Foundling è un concept album, dove le musiche, bene s’intrecciano con le liriche che esplorano la sua identità, il lavoro, l’amore, la maternità e, momento assai profondo e commovente, la recente scoperta della madre biologica che ancora una volta per telefono le conferma il suo ennesimo addio.

Un suono malinconico pervade per l’intero album, dove le atmosfere blues acustiche (se no cosa?) sono opportunamente dosate grazie anche alla produzione di Michael Timmins (Cowboy Junkies) che di “melodie” ne mastica parecchio.

Uno specchio della sua vita quindi questo The Foundling, dove una vita straordinaria viene testualmente descritta nei testi delle canzoni e dove la musica viene leggermente relegata ad un piano secondario, di accompagnamento ma, non per questo meno interessante.

Il messaggio di The Foundling comunque, è quello di dimostrare che, nonostante una vita carica si crudeltà, dolore e sofferenza, l’unica via è sempre quella di credere ancora nell’amore.

Peter Gabriel — So (1986)

13 ottobre 2023

So è il quinto album solista di Peter Gabriel ed è il primo che porta il titolo di una sillaba, i primi quattro, infatti, hanno un numero progressivo: 1, 2, 3 e 4, mentre i prossimi porteranno il titolo di Us e Up.

Non privo di successo, prima con i Genesis e poi come solista, è con questo album che Gabriel raggiunge il vertice della popolarità. Il suono moderno e i brani solidi grazie anche la maestria del co-produttore Daniel Lanois, portano il disco nelle classifiche mondiali. Brani come “Sledgehammer”, “Red Rain”, “Don’t Give Up” con Kate Bush e “In Your Eyes” con Youssou N’Dour, fanno di questo disco degli anni Ottanta uno degli album più belli dell’intera produzione inglese di quegli anni.

Peter il mastro-alchimista multiforme, non privo di coraggio, s’infila nei suoni più “rischiosi” dove la contaminazione fa da padrona. Sentimentale ed evocativo, So è la somma di ogni esperienza passata di Gabriel a cominciare dal discusso e meraviglioso “The Lamb Lies Down On Broadway” che fu la causa principale della sua dipartita dai Genesis. Gabriel attraversa due epoche rock lontane tra di loro, quella del progressive, degli anni Settanta, del rock intellettuale e profondo e quella degli anni Ottanta, tra elettronica e new wave. Le ha attraversate entrambe, e in entrambe le ha segnate con la sua musica, la sua voce, la sua personalità.

Con So inizia il lavoro di recupero e di riattualizzazione delle sonorità etniche. Il suono d’Africa insegue il sogno di trovare una nuova “Heartland” fatta di suoni, di respiri, di anime che si inseguono.

Il sogno si avvererà in seguito con la sua personale label Real Word, progetto riuscito di promozione filantropica di vari talenti ma So rimane indubbiamente l’archetipo seminale.

Peter Gabriel — Scratch my back (2010)

8 agosto 2023

E’ noto che Peter Gabriel sia piuttosto parco nella produzione musicale, infatti l’ultima sua incisione risale a otto anni fa. Dopo quattro album intitolati con i numeri: 1, 2, 3 e 4 e altri tre con le sillabe: So, Us e Up, questo è il primo disco che ha un nome più comune: Scratch My Back che, non a caso, è un album di cover, quindi canzoni di altri musicisti. Gli stessi musicisti sono stati chiamati poi in causa per contraccambiare “il progetto” incidendo delle canzoni sue.

Un album di cover fatto da Gabriel è però cosa diversa. I dodici brani presenti nel disco vengono completamente stravolti e arrangiati in maniera quasi irriconoscibile; pianoforte e archi sono il comune denominatore.

Il disco che necessità di un ascolto non superficiale, fa però sentire subito la sua profondità. Ogni brano che Gabriel prende in considerazione viene sviscerato, scarnificato, pulito fino all’osso. Con attenzione ad ogni minimo particolare, ogni canzone viene rivisitata, estrapolata dalla sua originale collocazione e portata in alti emisferi.

Passiamo al contenuto.

Le dodici canzoni del disco fanno parte alcune del passato ed altre di un recente appena trascorso, ma tutte sembrano scorrere in un binario appena costruito appositamente per loro, come se facessero parte di un treno dove Gabriel guida la motrice e i vagoni sono le canzoni tutte legate tra loro ma ognuna diversa.

Il primo brano è Heroes di David Bowie, canzone che non ha bisogno di presentazione quant’è conosciuta. Gabriel, minimizzandola, riducendola al massimo, con l’uso degli archi e alla sua voce unica, la fa sua. Grande partenza che ci fa ben sperare. Anche The Boy in the Bubble di Paul Simon viene spogliata dal suo originale suono “africano” e prende delle somiglianze oniriche, altro grande brano. Mirrorball degli Elbow, band inglese, viene romanzata a ‘mo di colonna sonora. Il brano si mantiene collegato agli altri due “vagoni” e prosegue nel “binario” immaginario sopra descritto. Con Flume di Bon Iver, giovane cantautore statunitense, c’è un leggero assopimento, niente di grave, anzi, il livello musicale si mantiene sempre sopra la media. E’ con Listening Wind dei Talking Heads che Gabriel ci riporta di nuovo in corsa. Il brano è magico, l’atmosfera che si respira è unica. Grande canzone. Si passa alla sesta canzone del disco ed è sempre ottima musica, il brano di Lou Reed è The Power of the Heart ed è tra i top del disco. Nel brano riecheggia l’anima di Reed ma Gabriel se ne appropria volontariamente come una gemma da incastonare. My Body is a Cage degli Arcade Fire è forse tra i brani che preferisco. Gabriel regala la sua interpretazione con un occhio di riguardo per questo gruppo. Il brano è intriso di pathos e allo stesso tempo raggiunge punte di alta interpretazione musicale e vocale. The Book of love dei Magnetic Fields è il brano di punta del disco, quello che per così dire tira nelle radio. Il brano è indubbiamente bello e ben costruito, orecchiabile al punto giusto senza guastare i padiglioni auricolari. Le prossime due canzoni: I think it’s goig to rain today di Randy Newman e Après Moi di Regina Spektor (bello il suo ultimo disco: Far, del 2009) rallentano un po’ la corsa di questo ipotetico treno, non drasticamente però. I due brani vengono “introspettati” da Gabriel, vengono portate alla luce quelle emozioni tenute nascoste quasi per pudore dai due originali autori. Siamo alla fine con le ultime due canzoni: Philadelphia di Neil Young e Street Spirit dei Radiohead. Sono forse i due brani più difficili dell’intero disco e come tali vanno ascoltati diverse volte per scoprirne le varie sfumature. Rivoltati fino a farne uscire le sonorità tipicamente “Gabrielliane”, in queste due canzoni più che nelle altre dieci, Gabriel ci mette tanto impegno da renderle uniche e splendide, quanto lo sanno fare i musicisti originali.

Woody Guthrie — Dust Bowl Ballads (1940)

1 febbraio 2023

Strade polverose di un’America inquieta e povera. Lo spirito dell’hobo con tutta la sua filosofia popolare sempre alla ricerca della giustizia sociale.

Le canzoni di Woody Guthrie, classe 1912, sono il viaggio di un emarginato attraverso i drammi della Grande depressione e le rivolte del Midwest. Sono l’eco di un grido sofferto, una ribellione verso quello sviluppo sociale alienante e alienato, così inumano da accantonare e lasciare al proprio destino chi non vale perché non serve.

Musicalmente, a differenza di Pete Seeger — altro grandissimo cantore ‘impegnato’ nell’unire dialetticamente cultura e lotta sociale — il quale si muoveva in un contesto più rigoroso che evidenziava l’approccio storico-tradizionale del ricercatore folk di matrice bianca, Guthrie è stato il filo conduttore che ha ricondotto la ‘protest song’ nella strategia affidata, la spontaneità colloquiale del ‘talking blues’ e del ‘train time’.

Canzoni narrative di denuncia in cui la capacità di espressione diventa una vera poesia fatta di parole dure, vissute ognuna sulla propria pelle.

Estremamente prolifico (scriveva quasi ogni giorno una canzone), questo “Ballate delle tempeste di polvere” è sicuramente uno dei suoi migliori album, dove c’è la maggior ricchezza poetica.

Dotate della forza immensa della ragione e della verità, le quattordici ballate qui incluse sono un vero anelito di speranza verso una terra promessa mai raggiunta, una gloria mai vissuta e che beffardamente arriva a gratificarlo subito dopo la morte.

Bob Dylan, Ramblin’ Jack Elliott, Fabrizio De André, Judy Collins, Bruce Springsteen, Joan Baez, Roger McGuinn ma anche Nick Cave e lo stesso figlio Arlo, hanno tutti un debito verso questo leggendario eroe popolare che ha fatto della canzone uno strumento di denuncia e di sensibilizzazione.

Nick Cave & Grinderman — Omonimo (2007)

12 giugno 2022

Grinderman è un progetto, e come tale ha una sua precisa identità. I brani che compongono l’album hanno la peculiarità di essere “essenziali”, scarni, meno arrangiati del Cave che conosciamo degli ultimi anni, infatti, riportano il “nostro” agli esordi, anche se in forma più morbida. I Grinderman, oltre a Cave alla voce, chitarra e piano sono: Warren Ellis al violino e chitarra acustica, Jim Sclavunos batteria e percussioni, Martyn Casey al basso.

I disco spazia in tre momenti particolari; quello della “Tensione Elettrica” come la rabbiosa Get it on, la stridente Honey bee, la potente Love bomb, la essenziale Title track, per finire con la nevrotica e punk No pussy blues.

Quello del “Buio Tormento” come la psicadelica Elettric Alice, dell’oscura Don’t set me free, della seducente Decoration day, della decadente Go tell the women.

Quello “Dolce Rilassato” come la lirica Rise, la poetica Man on the moon solo voce e piano, la superbaVortex, per finire con l’eccezionale e romantica Chain of flowers.

L’ultimo quartetto sopra citato è quello che più mi affascina dell’intero album. Brani e ballate cariche di intensità che porta Cave nella via di mezzo, i Grinderman sono la parte più dolce e tranquilla del primo N.C. (punk) e la parte più diretta e semplice dell’ultimo N.C. (arrangiatore).