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Classifica musicale

5 gennaio 2026

Dal 2006 e quindi da 20 anni, stilo e condivido la mia classifica musicale ovvero i dischi che ho ascoltato con particolare attenzione.
La prima cosa evidente del 2025 è il “numero”, mentre negli ultimi anni raggiungevo il centinaio di album ascoltati, quest’anno sono poco più di una quarantina. Questo a dimostrazione di un calo quantitativo, un calo che riguarda i miei generi musicali preferiti.
Ho diviso la classifica in due parti: nei primi venti, sono inseriti i dischi che mi sono particolarmente piaciuti, nei restanti, quelli che mi hanno lasciato un po’ indifferente.

L’onnipresente Van Morrison che anche a 80 anni riesce a rinnovarsi come se fosse la cosa più naturale al mondo. Gli Olafur Arnalds & Talos capaci di trasformare una perdita dolorosa in un inno alla vita e alla resilienza rendendo l’album un capolavoro. Matt Berninger che in un suo travagliato momento personale, crea un disco dei National senza i National. “Looking for the Thread” della M.C. Carpenter & co. è un lavoro in cui il talento di tre cantautrici diverse per formazione e percorso artistico ma accomunate da “affinità elettive” e da profonda sensibilità ha dato vita ad una sequenza di brani di grande atmosfera. “Humanhood” dei Weather Station non è un disco semplice ed immediato, ma è sicuramente una perfetta narrazione del febbrile e multiforme caos emotivo che può insinuarsi in ogni ascoltatore. Billionaire è il quinto album in studio della cantautrice canadese Kathleen Edwards, include 10 tracce che esplorano temi come il lutto, la verità, le relazioni e la riflessione personale. You And I Are Earth di Anna B Savage ha tenuto fede ad ogni aspettativa, permettendosi un passo di lato che le consente di tenere aperte tutte le ipotesi future. Gran disco di una grande cantautrice. Il tono dell’intero album Owls, Omens, And Oracles di Valerie June è volutamente positivo, amore è una parola ricorrente, il suo è uno sguardo empatico e rassicurante, persino spirituale in senso lato. I The Third Mind si attengono ad alcune linee guida fondamentali: presentarsi, non pensarci troppo e abbandonarsi al momento; niente prove, niente arrangiamenti scritti, niente discussioni sull’approccio, solo un elenco di canzoni e tastiere pensate per servire da guida nel viaggio della band verso ovunque lo spirito li porti. Here We Go Crazy è composto da 11 nuove canzoni di Bob Mould, e non è mica facile trovarne di altrettanto belle anche nel 2025. Smessi definitivamente i panni di rocker da stadio e sempre più svincolato dal ruolo di primo attore, Robert Plant ha trovato nei Saving Grace l’ensemble perfetto per una nuova eccitante avventura, e questo è un primo passo verso nuova gloria. Sam Amidon è un cantautore che nella sua lunga carriera ha sempre sottolineato il proprio legame con la tradizione, senza restare avulso da quella contaminazione che offre alla musica folk l’opportunità di rinnovarsi. Dario Brunori, classe 1977, dopo cinque album molto apprezzati dalla critica, con L’albero delle noci è riuscito a raggiungere il più alto livello di popolarità della sua carriera. Personal History della M.C. Carpenter non è solo un album, ma una dichiarazione di poetica e di esistenza. È un’opera che rifugge ogni cinismo, che guarda al passato senza rimpianti e al presente con dolente lucidità. Double Infinity dei Big Thief somiglia a quei sogni in cui ti pare d’aver colto un importante segreto della vita. Quando ti svegli, però, sono svaniti sia il sogno che il segreto. È seducente e inafferrabile, è fuori dalle categorie del rock attuale, è leggero e appassionato. Michelangelo Dying non parla di una catarsi travolgente, ma di imparare a vivere ciò che ci si lascia alle spalle. Alla nota finale, Cate Le Bon non ha offerto alcuna soluzione, ma qualcosa di più duraturo: il lento e luminoso lavoro di andare avanti. Mad Dogs & Englishmen Revisited dei Tedeschi Trucks Band and Leon Russell è una testimonianza del potere duraturo della creazione musicale comunitaria, reimmaginando un momento fondamentale nella storia del rock con riverenza, energia e una nuova prospettiva. L’assenza di quella catarsi punk rock in “In The Heart of The Mountain” che spesso animava la struttura musicale con i Lucero è sostituita dai chiaroscuri del folksinger Ben Nichols pur sempre in abiti elettrici e con quella sua inconfondibile aspra vocalità, alternando momenti epici e in chiave dark ad altri di natura più malinconica. E’ un disco che viaggia verso nuovi confini, “Real Warmth” di Joan Shelley, una raccolta di canzoni dove non manca una po’ di amabile utopia e un confortante senso di speranza, che per un breve attimo offrono un intelligente rifugio alla mediocrità e all’indifferenza. Look Out Highway è un viaggio appagante, foriero di emozioni quello intrapreso da Charlie Musselwhite, per ogni suo disco, l’ennesimo atto di devozione al blues per un Signore dalla carriera sessantennale.

Van Morrison – Remembering Now
Olafur Arnalds & Talos – A Dawning
Matt Berninger – Get Sunk
M.C. Carpenter, J. Fowlis, K. Polwart – Looking for the Thread
The Weather Station – Humanhood
Kathleen Edwards – Billionaire
Anna B Savage – You And I Are Earth
Valerie June – Owls, Omens, And Oracles
The Third Mind – Right Now!
Bob Mould – Here We Go Crazy
Robert Plant – Saving Grace
Sam Amidon – Salt River
Brunori Sas – L’albero delle noci
Mary Chapin Carpenter – Personal History
Big Thief – Double Infinity
Cate Le Bon – Michelangelo Dying
Tedeschi Trucks Band and Leon Russell
Ben Nichols – In The Heart of The Mountain
Joan Shelley – Real Warmth
Charlie Musselwhite – Look Out Highway

Mdou Moctar – Tears of Injustice
Kevin Connolly and Mule Variations – Alive and Kicking
Bright Eyes – Kids Table (2025)
Ginevra Di Marco – Kaleidoscope
Mogwai – The Bad Fire
Bon Iver – Sable, Fable
Taj Mahal & Keb Mo – Room On The Porch
The Delines – Mr. Luck & Ms. Doom
Bonnie “Prince” Billy – The Purple Bird
Mark Pritchard & Thom Yorke – Tall Tales
Arcade Fire – Pink Elephant
Counting Crows – Butter Miracle, Suite One
Piers Faccini & Ballaké Sissoko – Our Calling
Califone – The Villager’s Companion
Youssou N’dour – Eclairer Le Monde Light The World
Salif Keita – So Kono
Beirut – A Study Of Losses
Steven Wilson ‎– The Overview
Alex Pester – Bedroom Songs
Rose City Band – Sol Y Sombra
David Byrne – Who Is the Sky?
Ryan Adams – Self Portrait
Bridget Hayden And The Apparitions – Cold Blows The Wind
ALO – Frames

Aftownmusic

5 gennaio 2026

Aftownmusic è un servizio online che consente agli utenti di ascoltare musica in streaming e vendere musica internazionale, concentrandosi sul supporto degli artisti africani. Lanciato nel 2016 ad Accra, in Ghana, presenta musica sia a livello locale che globale. Gli utenti possono ascoltare gratuitamente con pubblicità o scegliere un abbonamento premium per un’esperienza migliore, che offre download offline, playlist personalizzate e radio.

Gli artisti guadagnano dagli streaming e possono vendere la loro musica sulla piattaforma. Aftownmusic è accessibile dal web e tramite app per Android e iOS. Offre notizie, classifiche, generi e strumenti per gli artisti, come il caricamento di musica e il supporto promozionale. Il piano gratuito presenta pubblicità, qualità inferiore e funzionalità limitate rispetto al piano premium.

Tom Jones esegue “Long Time Gone” con Crosby, Stills, Nash & Young e lascia senza parole la band e il pubblico (1969)

23 ottobre 2025

Il crooner gallese Tom Jones fece un ritorno improbabile alla fine degli anni ’80, con una cover di “Kiss” di Prince con gli Art of Noise. Poi, a metà degli anni ’90, si presentò a Willy, il Principe di Bel Air, per cantare la hit di metà anni ’60 “It’s Not Unusual” per il suo super fan Carlton Banks. Fu un periodo di ritorni anni ’60 in tutto il mondo, ma la rinascita di Jones fu un po’ strana (sebbene perfettamente in linea con il personaggio). Tom Jones era stato una grande star tra la metà e la fine degli anni ’60, con un suo programma televisivo e una serie di successi internazionali. Ma Tom Jones non fu mai esattamente cool come, per esempio, Neil Young lo era nel 1969, l’anno in cui lui e Jimi Hendrix rubarono un camion per andare a Woodstock .

“Tom Jones e il suo spettacolo potrebbero essere stati visti come un po’ ‘semplici’ per gli standard delle rockstar di CSNY”, scrive Dangerous Minds, “ma quando il quartetto accettò di esibirsi nel settembre di quell’anno, poche settimane dopo il grande festival nella parte settentrionale dello stato di New York, si trasformò in un evento televisivo memorabile, con Jones che cantò come solista in “Long Time Gone” e lasciò senza parole il pubblico e la band.

“I potenti polmoni di quell’uomo ispirano tutti gli altri a tenere il passo, bisogna dirlo”, persino Young, la cui “espressione passa da disprezzo/’Cosa ci faccio qui?’ a ‘Questo cazzo ci spacca’ a metà del brano”.

Ancora più strano di questa combinazione è il fatto che Young abbia accettato di farlo. Era diventato notoriamente avverso alla televisione, tanto da aver persino rifiutato il Tonight Show con Johnny Carson e aver citato il suo odio per la TV come ragione per aver lasciato i Buffalo Springfield due anni prima. Sebbene potesse essere stato travolto dal momento, in seguito se ne pentì, come raccontò il suo manager di lunga data Eliot Roberts al biografo Jimmy McDonough: “Neil disse: ‘Lo show di Tom Jones! Cosa ti ha preso? È quella merda’. Diceva sempre ‘quella merda’. Crosby aveva questa erbaccia di sventura… Neil non me l’ha mai perdonato. Mi ha preso in giro per questo per moltissimo, moltissimo tempo. Anni.”

“Era molto apprezzato”, dice Roberts, “vendette un sacco di dischi, ma a posteriori era imbarazzante”. Young probabilmente non avrebbe dovuto preoccuparsi. Erbaccia del disastro o no, non sembrava danneggiare la sua credibilità quanto il suo sconcertante (sebbene rivalutato dalla critica) disco New Wave del 1982, Trans. Jones se l’è cavata benissimo, reinventandosi negli anni ’80 e ’90 con autoparodie bonarie, per poi tornare a essere una vera pop star.
Non è più apparso con Neil Young.

Marvin Gaye in “I Heard It Through the Grapevine”: la versione a cappella

5 ottobre 2025

È difficile crederci, ma la classica registrazione del 1967 di Marvin Gaye “I Heard It Through the Grapevine” fu inizialmente rifiutata dalla sua etichetta discografica.

La canzone, che parla del dolore di un uomo per le voci sull’infedeltà della sua amante, fu scritta dal leggendario produttore della Motown Records Norman Whitfield e dal cantante Barrett Strong. Smokey Robinson and the Miracles registrarono per la prima volta il brano nel 1966, ma quella versione fu bocciata dal fondatore della Motown Berry Gordy durante una riunione settimanale di controllo qualità. Poi, Whitfield registrò la canzone con Gaye all’inizio del 1967, ma per qualche motivo a Gordy non piacque nemmeno quella versione. Così Whitfield cambiò leggermente il testo e la registrò con Gladys Knight and the Pips. L’arrangiamento veloce, influenzato da “Respect” di Aretha Franklin, fu pubblicato come singolo nel settembre del 1967 e raggiunse il primo posto nella classifica R&B di Billboard.

La versione di Gaye sarebbe potuta finire nel dimenticatoio se non fosse stata inclusa nel suo album del 1968, In the Groove , dove divenne presto nota. “I DJ la suonavano così spesso dall’album”, disse Gordy in seguito, “che dovemmo pubblicarla come singolo”.

La registrazione di Gaye del brano divenne un successo crossover. Non solo raggiunse la vetta delle classifiche R&B, ma rimase anche sette settimane in vetta alla classifica Billboard Pop Singles. Fu il singolo più venduto della Motown fino a quel momento, e il titolo dell’album “In the Groove” fu presto cambiato in “I Heard It Through the Grapevine”.

Gaye era noto per la sua dolce voce da tenore, che riusciva a modulare da un baritono a un vellutato falsetto acuto. Durante le sessioni di “Grapevine”, il cantante avrebbe litigato con Whitfield a causa dell’insistenza del produttore che voleva che cantasse la canzone con un tono acuto e rauco. Whitfield prevalse, e l’interpretazione di Gaye è una delle più grandi dell’era Motown.

Potete ascoltare la sua classica voce “a cappella” nel video qui sopra e quella strumentale qui sotto.

Jazz ‘Hot’ , il raro cortometraggio del 1938 con la leggenda del jazz Django Reinhardt

26 settembre 2025

Uno straordinario cortometraggio del grande chitarrista jazz Django Reinhardt, del violinista Stéphane Grappelli e della loro band, la Quintette du Hot Club de France, che si esibiscono su un set cinematografico nel 1938. Il film fu organizzato frettolosamente dall’agente britannico della band, Lew Grade, per presentare al pubblico britannico lo stile unico del gruppo, jazz basato su chitarra e violino, prima del loro primo tour nel Regno Unito. Come scrive Michael Dregni in Gypsy Jazz: Alla ricerca di Django Reinhardt e l’anima del Gypsy Swing :

Il Quintetto era sconosciuto al pubblico britannico e non si poteva prevedere quale sarebbe stata l’accoglienza della loro nuova musica. Così, Grade cercò di educare il suo pubblico. Assunse una troupe cinematografica per girare un cortometraggio promozionale di oltre sei minuti intitolato Jazz “Hot”, da proiettare nei cinema britannici, che offrisse una lezione di apprezzamento del jazz per riscaldare il pubblico.

Questo spiegherebbe il tono didattico dei primi due minuti e mezzo del film, che procede a rilento come una lezione di recupero sulla natura del jazz. Si apre con un’orchestra che esegue nota per nota il “Largo” di Händel, dall’opera Serse, che il narratore contrappone poi alla libertà dell’improvvisazione jazz.

Ma il film prende davvero vita quando Django arriva sullo schermo e si lancia in un arrangiamento jazz della popolare canzone francese “J’attendrai”. (Il nome significa “Aspetterò”, ed è una rielaborazione di una canzone italiana del 1933, “Tornerai” o “Tornerai”, di Dino Olivieri e Nino Rastelli). Sebbene le sequenze di Reinhardt e della band che suonano fossero ovviamente sincronizzate con una traccia registrata in precedenza, Jazz “Hot” è il miglior documento visivo sopravvissuto della tecnica di tastierizzazione a due dita del leggendario chitarrista, che sviluppò dopo aver perso l’uso di gran parte della mano sinistra in un incendio.

Un disco al giorno

10 settembre 2025

Tre anni fa, l’11 settembre del 2022, ho iniziato, quasi per gioco, la pubblicazione giornaliera di un disco.
Ogni titolo pubblicato è comprensivo del link che da la possibilità di ascoltarlo e dove presente anche la mia recensione.
Ad oggi sono quasi millecento dischi e altrettanti sono in arrivo nei prossimi anni… 🤣
Utile per ascoltare e ampliare la nostra conoscenza musicale.

Un disco al giorno

Music For Airports di Brian Eno in versione dilatata di 6 ore

30 agosto 2025

Creato nel 1978, con Music for Airports, Brian Eno creò il suo disco ‘ambient’ dando inizio all’idea di una musica lenta e meditativa che abbandonò le tipiche scale maggiori e minori, introducendo l’ambiguità melodica e diede inizio all’esplorazione di suoni concepiti per esistere da qualche parte sullo sfondo, al di là dell’ambito della piena attenzione.
Per coloro che pensano che 50 minuti siano troppo pochi e quelle note di pianoforte troppo riconoscibili, questa versione di 6 ore, può fare al caso loro. Il campo tonale è lo stesso, ma ora le note non sono un attacco, sono solo decadimento.

Nel corso degli anni l’album lo hanno ‘usato’ negli aeroporti di Bruxelles, Paesi Bassi e Liverpool e di San Diego. E poi nel 2018, il London City Airport ha riprodotto il disco originale per un giorno intero, in occasione del 40° anniversario dell’album.

Come “Time Out” di Dave Brubeck ha cambiato il jazz

16 agosto 2025

L’album rivoluzionario di Dave Brubeck “Time Out” è in cima alle classifiche dei migliori dischi jazz, viene ripubblicato costantemente ed è così onnipresente in alcuni ambienti che è difficile ascoltarlo con orecchie nuove.
Nei primi anni sessanta la missione del Dipartimento di Stato dell’epoca decise di inviare musicisti jazz americani in giro per il mondo come ambasciatori culturali. Questa esperienza ha avuto un’influenza importante non solo su Brubeck, ma su molti dischi di quel periodo. Brubeck si unì a Benny Goodman, Louis Armstrong e Dizzy Gillespie in un tour musicale che raggiunse molti paesi dietro la cortina di ferro e fu in grado di criticare la storia razzista dell’America promuovendone anche la cultura musicale.

“Time Out” fu il quattordicesimo album di Brubeck per la Columbia Records e fu il disco della sua svolta. Fino a quel momento lui e il suo quartetto avevano pubblicato una serie di album dal vivo registrati nei college (che promuovevano un jazz sicuro ma alla moda) e diversi album di cover jazz, come Dave Digs Disney. Ma “Time Out” era una specie di concept album completamente formato: un’esplorazione delle misure di tempo che il jazz non aveva ancora realmente toccato.
Ma la cosa migliore è che “Time Out” è uno di quei album classici per il modo in cui mescola la sperimentazione con il commerciale, un’impresa ardua in qualsiasi epoca, ma ancora più impressionante in uno dei migliori anni del jazz, il 1959.

Il video (colorato) del debutto di Bob Dylan al Newport Folk Festival nel 1963

11 luglio 2025

Nel luglio del 1963, Bob Dylan fece la sua prima apparizione al Newport Folk Festival. Nella serata di apertura, catturò una folla di 13.000 persone con un’esibizione di “Blowin’ in the Wind“, accompagnato da Joan Baez, Pete Seeger e Peter, Paul e Mary. Poi, il giorno seguente, Dylan cantò una versione di “With God On Our Side” (un duetto con Joan Baez) e suonò da solo “North Country Blues“, una canzone che sarebbe poi apparsa in The Times They Are a‑Changin‘ nel 1964. Nei link sopra evidenziati si possono guardare queste esibizioni storiche nei filmati originali in bianco e nero. Oppure, grazie al canale YouTube  Toca o Disco, puoi vivere il momento a colori. Mentre canta un Bob Dylan di 22 anni, il pubblico ascolta rapito, assorbendo la sua potente canzone folk sulle dure realtà dell’estrazione mineraria e dell’industrializzazione.

Qui sotto il video del debutto dove Bob Dylan canta North Country Blues al Newport Folk Festival (1963).

Ella Fitzgerald Sings Cream’s “Sunshine of Your Love” (1969)

2 giugno 2025

Nel 1969, Ella Fitzgerald pubblicò Sunshine of Your Love, un album dal vivo registrato al Venetian Room del The Fairmont San Francisco. Registrato dal produttore musicale Norman Granz, l’album conteneva canzoni pop contemporanee che mostravano la capacità di Fitzgerald di trascendere gli standard jazz. Prendiamo, ad esempio, una versione di Hey Jude dei Beatles e Sunshine of Your Love dei Cream. Qui sotto si puo’ ascoltare come suonava l’originale (registrato nel 1967) nelle mani di Jack Bruce, Ginger Baker ed Eric Clapton, e poi sperimentare la versione inaspettata di Ella qui sopra. È una bella giustapposizione.