Nella seconda parte del Novecento, nessun musicista ha avuto sulle sorti della musica «accademica», quella eseguita nelle sale da concerto e negli auditorium di conservatori e università, un’influenza paragonabile a quella esercitata da John Cage. Cage è un gigante che ha gettato la sua ombra su tutta la musica occidentale del secondo Novecento, semplicemente negandola, o meglio, ignorando deliberatamente i presupposti della sua tradizione. Uno dei tanti paradossi incarnati da Cage. Pur avendo studiato profondamente la musica della tradizione europea, per esempio il contrappunto con Schönberg, Cage è il primo compositore americano a liberare la musica d’oltreoceano dalla dipendenza dal Vecchio continente e a costituire un polo musicale autenticamente e totalmente americano. Probabilmente in modo involontario: Cage non ha mai creato una scuola, anche se è stato considerato il pioniere e il profeta di un nuovo modo di intendere la musica. Un atteggiamento che si è diffuso rapidamente, soprattutto a partire dagli anni Cinquanta, tanto negli Stati Uniti che in Europa, in contrapposizione al serialismo dominante. Partito già da giovane talento, negli anni Trenta, con l’idea di ampliare la gamma dei suoni e delle strutture possibili sotto l’influenza dei lavori di Edgar Varèse e degli insegnamenti di Henry Cowell, Cage ha intrapreso la strada di uno sperimentalismo radicale che aveva come obiettivo fondamentale la liberazione del suono non solo dalla razionalità, ma addirittura dal pensiero dell’uomo. «La musica moderna in generale è stata la storia della liberazione della dissonanza», disse Cage nel 1948. «Cosí la nuova musica è parte del tentativo di liberare tutti i suoi udibili dalle limitazioni del pregiudizio».
Il 20 gennaio 1889 nasce a Mooringsport, in Louisiana Huddie William Leadbetter, più conosciuto con il nomignolo di Leadbelly, uno dei grandi interpreti del blues rurale.
Leadbelly (1888 – 1949), è stato un influente cantante e chitarrista blues e folk americano. È noto per la sua voce potente e per il suo talento con la chitarra a dodici corde. Leadbelly ha avuto un’infanzia difficile e ha trascorso diversi anni in prigione, dove ha affinato le sue abilità musicali. È stato scoperto da John e Alan Lomax, due etnomusicologi che hanno registrato la sua musica per la Library of Congress negli anni ’30.
Le sue canzoni coprono una vasta gamma di temi, dalla vita quotidiana alla giustizia sociale, e molti dei suoi brani, come “Goodnight, Irene,” “Midnight Special,” e “Where Did You Sleep Last Night,” sono diventati classici della musica americana. Leadbelly ha influenzato generazioni di musicisti, specialmente nel movimento folk degli anni ’50 e ’60. La sua vita e la sua musica incarnano la lotta e la resilienza della cultura afroamericana.
David Bowie è stato un’icona della musica e della cultura pop, conosciuto non solo per la sua carriera musicale straordinaria, ma anche per la sua capacità di reinventarsi continuamente. Nato il 8 gennaio 1947 a Londra come David Robert Jones, ha cambiato il suo nome in Bowie per evitare confusione con Davy Jones dei Monkees. Bowie è diventato famoso negli anni ‘70 con l’album “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, in cui interpretava il personaggio androgino e alieno Ziggy Stardust. Questa fase della sua carriera lo ha reso un simbolo di anticonformismo e ha influenzato profondamente la cultura pop. La sua musica ha spaziato tra vari generi, dal rock al soul, dal pop all’elettronica, collaborando con artisti di grande calibro e sperimentando con suoni e stili diversi. Tra i suoi album più celebri ci sono “Hunky Dory”, “Aladdin Sane”, “Heroes” e “Let’s Dance”. Oltre alla musica, Bowie è stato anche attore, apparendo in film come “The Man Who Fell to Earth”, “Labyrinth” e “The Prestige”. David Bowie è morto il 10 gennaio 2016, due giorni dopo il suo 69º compleanno e l’uscita del suo ultimo album, “Blackstar”. La sua morte ha lasciato un vuoto nel mondo della musica, ma la sua eredità continua a vivere attraverso le sue opere e l’influenza che ha avuto su generazioni di artisti e fan.
Joan Baez è una cantante, musicista e attivista americana, nota per la sua voce unica e il suo impegno per i diritti civili, la pace e la giustizia sociale. Nata il 9 gennaio 1941 a New York, Baez è diventata famosa negli anni ’60 come una delle principali figure del movimento folk americano. È conosciuta per le sue interpretazioni di canzoni folk tradizionali e per la sua capacità di mescolare musica e attivismo. Joan Baez ha avuto un ruolo importante nel promuovere la carriera di Bob Dylan, con il quale ha anche collaborato in diverse occasioni. Tra le sue canzoni più celebri ci sono “Diamonds & Rust,” “We Shall Overcome,” e la sua versione di “The Night They Drove Old Dixie Down.” Baez è stata un’importante voce contro la guerra del Vietnam e ha sostenuto numerose cause umanitarie nel corso della sua carriera. Ha continuato a esibirsi e a registrare musica per decenni, mantenendo sempre un forte impegno per i diritti umani e sociali.
Paolo Conte è un cantautore, compositore e musicista italiano, noto per il suo stile unico che fonde jazz, swing, chanson francese e musica d’autore italiana. Nato il 6 gennaio 1937 ad Asti, Conte è anche avvocato di formazione, ma ha scelto la musica come sua carriera principale. Il suo stile è caratterizzato da una voce roca e profonda, testi poetici e sofisticati, spesso intrisi di un senso di nostalgia e ironia. I suoi brani più famosi includono “Via con me”, “Sotto le stelle del jazz”, “Bartali” e “Azzurro”, quest’ultimo reso celebre dall’interpretazione di Adriano Celentano. Le sue canzoni esplorano una vasta gamma di temi, dalle storie di vita quotidiana a immagini suggestive e atmosfere cinematografiche. Paolo Conte ha una lunga carriera alle spalle e continua a essere una figura di riferimento nella musica italiana e internazionale. È apprezzato non solo per la sua musica, ma anche per la sua abilità di evocare mondi e atmosfere uniche attraverso le sue composizioni.
Charles Mingus è stato un influente musicista jazz, noto principalmente per il suo lavoro come contrabbassista, compositore e bandleader. Nato il 22 aprile 1922 a Nogales, Arizona, e cresciuto a Los Angeles, Mingus è diventato una delle figure più innovative e carismatiche del jazz moderno. Mingus era conosciuto per il suo stile unico al contrabbasso, caratterizzato da una grande potenza espressiva e una tecnica raffinata. Tuttavia, è forse più famoso come compositore e arrangiatore. Le sue composizioni combinano elementi di bebop, musica gospel, blues, e avanguardia, creando un suono distintivo e ricco di emozioni. Alcuni dei suoi lavori più celebri includono album come “Mingus Ah Um”, “The Black Saint and the Sinner Lady”, e “Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus”. Questi album sono noti non solo per la qualità delle esecuzioni, ma anche per la profondità delle composizioni, che spesso esplorano temi di giustizia sociale, razzismo e la condizione umana. Mingus era anche noto per la sua personalità forte e a volte irascibile, che lo portava a scontrarsi con altri musicisti e a gestire le sue band in modo molto esigente. Tuttavia, la sua passione per la musica e il suo impegno verso la sua arte lo hanno reso una delle figure più rispettate e influenti del jazz. Charles Mingus è morto il 5 gennaio 1979, ma il suo lascito musicale continua a ispirare generazioni di musicisti e ascoltatori.
Giorgio Gaber, nato il 25 gennaio 1939 a Milano e scomparso il 1º gennaio 2003 a Camaiore, è stato un cantautore, attore e regista teatrale italiano. È considerato uno dei più grandi interpreti della canzone italiana, ma è anche ricordato per il suo ruolo fondamentale nello sviluppo del “teatro-canzone,” una forma d’arte che unisce musica e monologo, esplorando temi sociali, politici e filosofici. Gaber ha iniziato la sua carriera musicale negli anni ‘50, suonando la chitarra in vari gruppi rock’n’roll, ma è negli anni ’60 che ha raggiunto il successo come cantautore. Alcune delle sue canzoni più famose di quel periodo includono “Ciao ti dirò” e “Non arrossire”. Tuttavia, è negli anni ’70 che Gaber si è allontanato dal tradizionale formato della canzone per abbracciare il teatro-canzone, collaborando con Sandro Luporini per scrivere testi che riflettevano profondi commenti sociali e politici. Le sue opere teatrali, come “Il Signor G” e “Dialogo tra un impegnato e un non so,” sono diventate cult e hanno influenzato generazioni di artisti. Con un mix di ironia, critica e introspezione, Gaber ha esplorato temi come l’alienazione, il conformismo e la libertà personale, sempre con uno stile unico e inconfondibile. Oltre al suo lavoro musicale, Gaber è stato anche un attore teatrale e televisivo, e ha contribuito in modo significativo alla cultura italiana del XX secolo. La sua eredità continua a vivere grazie alle sue canzoni e alle sue opere teatrali, che rimangono attuali e rilevanti ancora oggi.
Strana e complessa anche la figura di Charles Mingus, uomo difficile ai limiti della malattia mentale, esibizionista, violento, ossessionato da un vittimismo grave. Era l’incarnazione dell’onestà, ma sapeva essere ingrato, gentile, tenero, patologicamente incapace di controllare i suoi smisurati appetiti ma in grado di sottoporsi a una ferrea disciplina per migliorare la tecnica strumentale e approfondire la sua preparazione tecnica. Mingus menava le mani facilmente, odiava essere chiamato «Charlie», detestava gli organizzatori, i critici, i proprietari di club e il free jazz. Mingus era perfettamente consapevole della sua personalità contorta e nella sua autobiografia afferma di essere «tre Mingus contemporaneamente». Era nato a Nogales, in Arizona, ma era cresciuto a Watts, sobborgo di Los Angeles. A fargli scegliere il contrabbasso fu Buddy Collette, suo coetaneo ma già professionalmente avviato. I primi contatti musicali sono con la chiesa della congregazione metodista, i suoi primi ingaggi, negli anni Quaranta, con l’orchestra di Louis Armstrong, Barney Bigard, Illinois Jacquet, l’orchestra di Lionel Hampton, per la quale scrisse il suo primo pezzo noto. Quindi il trasferimento a New York, molta musica dal vivo (anche con Parker) ma sino alla fine degli anni Cinquanta la sua principale fonte di reddito fu il denaro guadagnato da due donne che si prostituivano per lui. Nonostante abbia collaborato con buona parte dei grandi del jazz e con musicisti identificati con un movimento, Mingus ha seguito una strada a sé stante, profondamente legata alla tradizione afroamericana. Ha sempre dichiarato le sue fonti d’ispirazione, Ellington, la musica da chiesa, Parker, Art Tatum. A partire dagli anni Cinquanta ha iniziato l’attività di bandleader, la sua musica risentiva dell’influenza del cool ed era caratterizzata da una studiata strutturazione. Ma durò poco, Mingus prese le distanze da quel modo di lavorare, perché credeva che il jazz non può mantenere il suo feeling più autentico se resta legato a partiture che non prevedono alcuna libertà per l’esecutore. La carriera del Mingus più autentico è cominciata con Pithecantropus Erectus, una suite in quattro parti in cui iniziano a delinearsi i caratteri peculiari della sua musica: bruschi cambiamenti di atmosfera, di tempo, di ritmo, episodi impressionistici vicini a un’estetica free. Un vero e proprio mondo sonoro, sorprendentemente guidato dal contrabbasso che, nelle sue mani, ha conosciuto irripetibili livelli di autorevolezza, sembrava vivere di vita propria, completo e musicalissimo, ben oltre l’abituale funzione di accompagnamento alla quale in genere era associato. Libero dai condizionamenti della partitura, Mingus riesce a ottenere una travolgente versione moderna della polifonia di New Orleans e anno dopo anno arricchisce il suo mondo sonoro realizzando, con le sue bands, una tavolozza emotiva e sonora di straordinaria ampiezza. Gli anni Sessanta sono stati per Mingus un periodo di particolare felicità creativa, segnato dalla collaborazione con Eric Dolphy, con il quale ha realizzato alcune delle sue produzioni più belle. Dischi come Ah Hum lo rendono famosissimo, opere come The Black Saint and the Sinner Lady lo consacrano, ma la sua «follia» lo porta a sparire dalla scena verso la fine del decennio. Quando torna, negli anni Settanta, in pochi scommettono sul suo futuro, e invece Mingus, con Don Pullen e George Adams, riesce ancora una volta a sorprendere tutti e a raccogliere enormi successi, influenzando con il suo lavoro un’intera generazione di musicisti.
Chet Baker è stato uno dei più celebri trombettisti e cantanti jazz americani, noto per il suo stile lirico e delicato. Nato il 23 dicembre 1929 a Yale, Oklahoma, Baker è diventato una figura iconica del cool jazz, un sottogenere caratterizzato da un suono più rilassato e melodico rispetto al bebop. Il suo approccio alla tromba era unico: suonava con un tono morbido e sottile, spesso paragonato a quello di un cantante, e le sue interpretazioni vocali erano altrettanto toccanti, con una voce fragile e malinconica che trasmetteva una profonda emotività. Tra i suoi brani più famosi ci sono “My Funny Valentine”, “Time After Time”, e “Let’s Get Lost”. Baker ha avuto una carriera musicale di grande successo, ma la sua vita personale è stata segnata da problemi di dipendenza e da una serie di difficoltà personali. Nonostante queste sfide, ha continuato a suonare e registrare musica fino alla sua morte, avvenuta in circostanze misteriose il 13 maggio 1988 ad Amsterdam. Il suo contributo al jazz è stato immenso, e il suo stile inconfondibile continua a influenzare musicisti di tutto il mondo. La sua vita è stata oggetto di numerosi documentari, biografie e film, che cercano di catturare la complessità del suo talento e delle sue lotte personali.
Frank Zappa è stato un musicista, compositore e produttore discografico statunitense, noto per la sua straordinaria versatilità e per il suo approccio innovativo alla musica. Nato il 21 dicembre 1940 a Baltimora, Maryland, Zappa è cresciuto in una famiglia di origini italiane e ha sviluppato fin da giovane un interesse per la musica, in particolare per il rhythm and blues, la musica classica e il jazz. Zappa ha fondato il gruppo musicale “The Mothers of Invention” negli anni ‘60, con il quale ha pubblicato il suo album di debutto, Freak Out!, nel 1966. Questo album, tra i primi del genere rock sperimentale, ha segnato l’inizio della sua lunga carriera, caratterizzata da una fusione unica di rock, jazz, blues, musica orchestrale e satire sociali. Oltre alla sua prolifica attività musicale, Zappa è stato anche un attivista politico e un difensore della libertà di espressione. Ha criticato apertamente la censura e il conformismo culturale, sia nella sua musica che nelle sue apparizioni pubbliche. Zappa ha registrato più di 60 album durante la sua vita, molti dei quali autoprodotti, mostrando una straordinaria capacità di reinventarsi continuamente. Frank Zappa è morto il 4 dicembre 1993 a Los Angeles, California, a causa di un cancro alla prostata. Nonostante la sua morte, la sua eredità musicale continua a influenzare generazioni di musicisti e a essere apprezzata da un pubblico eterogeneo.
Silvano Bottaro Blog 