Il 20 marzo 1997 muore Marino Marini. Cantante, pianista, autore e grande intrattenitore per lungo tempo è considerato uno dei simboli dell’internazionalizzazione della canzone italiana. Marino Marini è stato un cantante, pianista, compositore, bandleader e produttore discografico italiano. La sua carriera musicale è stata influenzata da diverse esperienze e collaborazioni con altri musicisti. Dopo la guerra, lavorò come direttore artistico a Napoli e perfezionò la sua formazione musicale al Conservatorio di San Pietro a Majella. Nel 1949 si recò negli Stati Uniti come musicista di bordo, dove incontrò artisti come Dizzy Gillespie e Stan Kenton, influenzando il suo stile musicale. Formò un quartetto che si esibì in locali notturni e balere, tra cui “La Conchiglia” di Napoli. Il suo repertorio includeva standard internazionali e canzoni napoletane reinterpretate in versione ballabile. Nel 1955 si trasferì a Milano e pubblicò i primi dischi con l’etichetta Durium. Nel 1958 debuttò a Parigi all’Olympia e ottenne un grande successo, vendendo dischi in tutta Europa e oltre. Il suo brano più famoso è “Bambino”, versione francese di “Guaglione”, ripresa da Dalida. Collaborò anche con artisti come Domenico Modugno, Rocco Granata e Renato Carosone. Negli anni ’60, Marini si ritirò dalle esibizioni dal vivo ma continuò a lavorare come talent scout e produttore discografico. Fondò la casa discografica Tiffany con la moglie Anna Scocca e successivamente divenne dirigente della Fonit Cetra. Morì a Milano nel 1997.
Thelonious Monk è stato una figura fondamentale del jazz, noto per il suo approccio innovativo come pianista e compositore. Nato il 10 ottobre 1917 a Rocky Mount, nella Carolina del Nord, si trasferì a New York City in giovane età, dove sviluppò il suo stile unico che combinava elementi di bebop e hard bop. Le composizioni di Monk sono caratterizzate dalle loro dissonanze, dai colpi di scena melodici angolari e dalle progressioni di accordi non convenzionali. Alcune delle sue opere più famose includono: ‘Round Midnight Blue Monk Straight, No Chaser Ruby, My Dear In Walked Bud. È riconosciuto come il secondo compositore jazz più registrato dopo Duke Ellington, con un repertorio che è diventato uno standard nella musica jazz. Lo stile di esecuzione di Monk era distintivo quanto le sue composizioni. Spesso mostrava un attacco altamente percussivo al pianoforte ed era noto per le sue pause drammatiche e i silenzi durante le esibizioni. Il suo aspetto era altrettanto notevole; di solito indossava completi, cappelli e occhiali da sole. Monk aveva l’insolita abitudine di alzarsi in piedi per ballare durante le esibizioni, il che si aggiungeva alla sua eccentrica presenza scenica. Per tutta la vita, Monk ha dovuto affrontare sfide legate alla salute mentale. Ha attraversato periodi di grave malattia mentale, che hanno influenzato la sua capacità di esibirsi e di relazionarsi con gli altri. Nonostante queste difficoltà, ha mantenuto un seguito fedele e ha continuato a influenzare la scena jazz fino ai suoi ultimi anni. Negli anni ’70, Monk è diventato sempre più solitario a causa del declino della salute e ha trascorso i suoi ultimi anni vivendo con la sua mecenate Pannonica de Koenigswarter. Morì per un ictus il 17 febbraio 1982. L’eredità di Monk perdura attraverso la sua musica e il profondo impatto che ha avuto sul jazz. Le sue tecniche e composizioni innovative continuano a ispirare musicisti in tutto il mondo. Rimane una figura celebrata nella storia del jazz, riconosciuto non solo per il suo genio, ma anche per le complessità della sua storia di vita.
Charlie Musselwhite è un celebre armonicista e cantante di blues americano, noto per il suo contributo significativo alla scena blues dagli anni ‘60 in poi. Nato il 31 gennaio 1944 a Kosciusko, Mississippi, Musselwhite è cresciuto in un’epoca in cui il blues stava vivendo una trasformazione significativa, e lui è diventato una figura di spicco nel portare questo genere musicale al pubblico più ampio. Musselwhite è rinomato per il suo stile distintivo all’armonica, caratterizzato da una fusione di blues tradizionale con influenze di jazz, folk e rock. Il suo album di debutto, “Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite’s Southside Band” del 1967, è considerato un classico del genere blues e ha contribuito a stabilire la sua reputazione come uno dei principali armonicisti del suo tempo. Nel corso della sua carriera, ha collaborato con numerosi artisti di grande fama, tra cui Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Tom Waits, e Ben Harper. Le sue collaborazioni con Ben Harper, in particolare, hanno introdotto Musselwhite a una nuova generazione di appassionati di musica. Charlie Musselwhite è apprezzato non solo per la sua abilità musicale, ma anche per la sua capacità di mantenere vivo lo spirito del blues, rimanendo fedele alle radici del genere mentre esplora nuovi orizzonti sonori.
Charles Mingus è stato un influente musicista jazz, noto principalmente per il suo lavoro come contrabbassista, compositore e bandleader. Nato il 22 aprile 1922 a Nogales, Arizona, e cresciuto a Los Angeles, Mingus è diventato una delle figure più innovative e carismatiche del jazz moderno. Mingus era conosciuto per il suo stile unico al contrabbasso, caratterizzato da una grande potenza espressiva e una tecnica raffinata. Tuttavia, è forse più famoso come compositore e arrangiatore. Le sue composizioni combinano elementi di bebop, musica gospel, blues, e avanguardia, creando un suono distintivo e ricco di emozioni. Alcuni dei suoi lavori più celebri includono album come “Mingus Ah Um”, “The Black Saint and the Sinner Lady”, e “Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus”. Questi album sono noti non solo per la qualità delle esecuzioni, ma anche per la profondità delle composizioni, che spesso esplorano temi di giustizia sociale, razzismo e la condizione umana. Mingus era anche noto per la sua personalità forte e a volte irascibile, che lo portava a scontrarsi con altri musicisti e a gestire le sue band in modo molto esigente. Tuttavia, la sua passione per la musica e il suo impegno verso la sua arte lo hanno reso una delle figure più rispettate e influenti del jazz. Charles Mingus è morto il 5 gennaio 1979, ma il suo lascito musicale continua a ispirare generazioni di musicisti e ascoltatori.
Strana e complessa anche la figura di Charles Mingus, uomo difficile ai limiti della malattia mentale, esibizionista, violento, ossessionato da un vittimismo grave. Era l’incarnazione dell’onestà, ma sapeva essere ingrato, gentile, tenero, patologicamente incapace di controllare i suoi smisurati appetiti ma in grado di sottoporsi a una ferrea disciplina per migliorare la tecnica strumentale e approfondire la sua preparazione tecnica. Mingus menava le mani facilmente, odiava essere chiamato «Charlie», detestava gli organizzatori, i critici, i proprietari di club e il free jazz. Mingus era perfettamente consapevole della sua personalità contorta e nella sua autobiografia afferma di essere «tre Mingus contemporaneamente». Era nato a Nogales, in Arizona, ma era cresciuto a Watts, sobborgo di Los Angeles. A fargli scegliere il contrabbasso fu Buddy Collette, suo coetaneo ma già professionalmente avviato. I primi contatti musicali sono con la chiesa della congregazione metodista, i suoi primi ingaggi, negli anni Quaranta, con l’orchestra di Louis Armstrong, Barney Bigard, Illinois Jacquet, l’orchestra di Lionel Hampton, per la quale scrisse il suo primo pezzo noto. Quindi il trasferimento a New York, molta musica dal vivo (anche con Parker) ma sino alla fine degli anni Cinquanta la sua principale fonte di reddito fu il denaro guadagnato da due donne che si prostituivano per lui. Nonostante abbia collaborato con buona parte dei grandi del jazz e con musicisti identificati con un movimento, Mingus ha seguito una strada a sé stante, profondamente legata alla tradizione afroamericana. Ha sempre dichiarato le sue fonti d’ispirazione, Ellington, la musica da chiesa, Parker, Art Tatum. A partire dagli anni Cinquanta ha iniziato l’attività di bandleader, la sua musica risentiva dell’influenza del cool ed era caratterizzata da una studiata strutturazione. Ma durò poco, Mingus prese le distanze da quel modo di lavorare, perché credeva che il jazz non può mantenere il suo feeling più autentico se resta legato a partiture che non prevedono alcuna libertà per l’esecutore. La carriera del Mingus più autentico è cominciata con Pithecantropus Erectus, una suite in quattro parti in cui iniziano a delinearsi i caratteri peculiari della sua musica: bruschi cambiamenti di atmosfera, di tempo, di ritmo, episodi impressionistici vicini a un’estetica free. Un vero e proprio mondo sonoro, sorprendentemente guidato dal contrabbasso che, nelle sue mani, ha conosciuto irripetibili livelli di autorevolezza, sembrava vivere di vita propria, completo e musicalissimo, ben oltre l’abituale funzione di accompagnamento alla quale in genere era associato. Libero dai condizionamenti della partitura, Mingus riesce a ottenere una travolgente versione moderna della polifonia di New Orleans e anno dopo anno arricchisce il suo mondo sonoro realizzando, con le sue bands, una tavolozza emotiva e sonora di straordinaria ampiezza. Gli anni Sessanta sono stati per Mingus un periodo di particolare felicità creativa, segnato dalla collaborazione con Eric Dolphy, con il quale ha realizzato alcune delle sue produzioni più belle. Dischi come Ah Hum lo rendono famosissimo, opere come The Black Saint and the Sinner Lady lo consacrano, ma la sua «follia» lo porta a sparire dalla scena verso la fine del decennio. Quando torna, negli anni Settanta, in pochi scommettono sul suo futuro, e invece Mingus, con Don Pullen e George Adams, riesce ancora una volta a sorprendere tutti e a raccogliere enormi successi, influenzando con il suo lavoro un’intera generazione di musicisti.
In quanto a stranezze, probabilmente nessuno ha mai superato Thelonious Monk, proverbiale caso di enigma vivente a cominciare dal primo nome, Thelonious, ereditato dal padre, e dal secondo, Sphere, del quale nessuno a ma appurato l’origine, né la reale esistenza anagrafica. Nato alla fine degli anni dieci (non c’è certezza nemmeno sulla data di nascita), Monk era già, all’inizio degli anni Quaranta, il pianista fisso del Minton’s di New York, il club scelto come laboratorio permanente dai “rivoluzionari” del bop. Monk si trovo cosi al centro del movimento che ha cambiato la storia del jazz, ma non ne fu affatto coinvolto. La musica era l’unico interesse della sua vita, ma l’attenzione era rivolta unicamente all’opera del suo ingegno. Prova ne è il fatto che Monk ha scritto gran parte del suo repertorio nei primi anni di attività, quando era praticamente ignorato. Con felice intuizione, è stato scritto che Monk sembrava rimanere fermo ad aspettare che il futuro lo raggiungesse e facesse capire agli altri la sua musica. Poi si è limitato a lasciare che gli altri lo ascoltassero. Nessuna storia del jazz escluderebbe il suo nome dai fondatori del be-bop, ma Thelonious in realtà ha più che altro garantito la sua presenza e, anche in termini stilistici, con i boppers voleva avere poco a che fare. D’altra parte le sue radici di strumentista affondano nella tradizione stride, quella dei rent parties, che sono stati la sua prima fonte di reddito. La tecnica pianistica di Monk era, secondo alcuni, piuttosto rudimentale. In effetti si trattava di un modo di suonare assolutamente fuori dalla norma, con le dita tese e non piegate secondo la prassi classica. Questo veniva considerato un limite tecnico grave: non va dimenticato però che, nonostante la sua indifferenza al mondo esterno, Monk, per quello che riguarda la musica, sapeva benissimo ciò che voleva. L’approccio alla tastiera con le dita rigide gli consentiva di ottenere quella sonorità inconfondibile, percussiva, che scaturiva proprio dal modo in cui venivano colpiti i tasti. Una tecnica messa a punto sul piccolo pianoforte del modesto appartamento del ghetto di San Juan Hill che ha abitato per tutta la vita, anche quando, ottenuti seppur tardivi riconoscimenti, aveva raggiunto una relativa agiatezza. Per molti anni Monk ha avuto una vita difficile, ha lavorato per pochi dollari in locali di quart’ordine e dal 1951 al 1957 non ha lavorato affatto. Dal 1957 la sua stella inizia a brillare, quando con il suo quartetto (del quale hanno fatto parte anche Sonny Rollins, John Coltrane, Johnny Griffin e Charlie Rouse) propone il repertorio che lo ha portato a diventare un maestro, composto di brani come Round Midnight, Ruby My Dear, Straight No Chaser, Epistrophy, ai quali vanno aggiunti classici come Blue Monk, Well You Needn’t, o Misterioso. Monk diventa una star, suona in tutto il mondo e nel 1964 conquista addirittura la copertina di “Time”. La gloria lo accompagna sino alla fine del decennio, poi la discesa, la voglia di scomparire agli occhi del mondo, l’autoreclusione nella casa di San Juan Hill e quindi nel 1986, la scomparsa.
John Mayall è un musicista britannico, noto principalmente per il suo contributo al blues. Nato il 29 novembre 1933 a Macclesfield, Inghilterra, Mayall è spesso definito “il padrino del British blues” grazie alla sua influenza nel portare il genere alla ribalta in Gran Bretagna durante gli anni ’60. Mayall è famoso per aver formato la band John Mayall & the Bluesbreakers, che ha visto passare tra le sue fila musicisti leggendari come Eric Clapton, Peter Green (che successivamente fondò i Fleetwood Mac) e Mick Taylor (che più tardi si unì ai Rolling Stones). L’album “Blues Breakers with Eric Clapton” del 1966 è particolarmente significativo e rimane una pietra miliare del blues rock. John Mayall è anche noto per la sua capacità di suonare diversi strumenti, tra cui l’armonica, il pianoforte e la chitarra, e per la sua dedizione alla musica blues, che ha continuato a promuovere e suonare in tutto il mondo per oltre sei decenni. Mayall ha continuato a registrare e fare tournée, confermando il suo status di icona del blues fino quasi alla morte avvenuta il 22 luglio del 2024.
Non immaginava minimamente la cantautrice canadese Joni Mitchell che Circle Game inserita nel suo album del 1970 Ladies of the Canyon diventasse una delle canzoni più amate non solo da lei ma anche dai suoi fan. Il testo del brano, tra i suoi più belli, alla fine di ogni strofa descrive “la giostra del tempo” che ci porta tutti “in tondo e in tondo nel gioco del cerchio”. Una brillante immagine che trasmette sia energia che movimento, nonché l’atmosfera riflessiva della canzone. Il passare del tempo, il mutare delle stagioni e la maturazione di un bambino sono temi intrinsecamente più interessanti per gli adolescenti e gli adulti che per i bambini piccoli. I ritmi avvincenti dei versi e le splendide suggestioni garantiscono un ampio fascino e creano un’empatia che può essere felicemente condivisa da generazioni diverse.
Il 7 Agosto del 1937, a Torrance, nel Mississippi, Stati Uniti, nasceva il bluesman Magic Slim (vero nome Morris Holt). Apprese l’interesse per la musica molto presto, cantando nel coro della chiesa. Il suo primo amore è stato il piano, ma avendo perso un dito della sua mano destra in un incidente, trovò difficoltà a suonare, e così decise di ripiegare sulla chitarra. Lavorava nei campi durante la settimana e suonava il blues nei party che si svolgevano nelle case durante i week-ends. All’età di 11 anni Slim si trasferì a Grenada, Mississippi dove più tardi incontrò e diventò amico di Magic Sam (dal quale prese il nome d’arte, anni più tardi quando si trasferì a Chicago). Negli anni ’80 arrivò a pubblicare dischi con la famosa casa discografica “Alligator” e vinse il primo premio “W.C.Handy”. Nel 1994 Magic Slim si trasferì a Lincoln, nel Nebraska, dove ebbe un contratto per molti anni in un importante locale e dove suonò anche accompagnato dal figlio Shawn Holt, cantante e chitarrista di talento, che lo accompagnò nei Teardrops per diversi anni. Magic Slim ed i Teardrops vinsero per sei volte il “W.C. Handy Award” come migliore Blues Band dell’anno e si affermò come uno dei più validi bluesmen americani. Durante una sua tournee, fu colpito da ulcere sanguinanti, ma avendo anche problemi cardiaci, polmonari e renali, morì all’ospedale di Filadelfia, in Pennsylvania, il 21 Febbraio 2013. Nel 2017 fu inserito, postumo, nella “Blues Hall of Fame”.
Tornato in Irlanda nel 1973 e suggestionato nel rivedere i luoghi della propria adolescenza, Van trova l’ispirazione per un album concept estremamente personale. Non vi sono note di copertina o interviste a spiegarlo, ma si capisce che le varie canzoni sono in un ordine preciso, con frasi che si ripetono da un brano al successivo, in modo da formare la storia di un ragazzo che dapprima sogna una vita fantastica, popolata da eroi e da poeti, poi parte deciso incontro alla vita reale come se andasse incontro ad una avventura (la ricerca di un immaginario vello di Veedon). Seguono le esperienze e le disillusioni. Alla fine c’è il ritorno al paese natio ed un amore che curerà le ferite. Ad accompagnare il cantante c’è una versione snellita della Caledonia Soul Orchestra. Il suono è curato, ma rarefatto, ricordando un po’ tutti gli album precedenti. Infatti per ogni canzone c’è uno stile diverso, eppure l’opera conserva un carattere fortemente unitario. Rispetto ad Astral Weeks, cui quest’opera è stata paragonata, essa è molto più sfaccettata, più costruita e meno originale. L’accompagnamento strumentale è infatti semplice e tradizionalista, più ancora che nei due album in studio precedenti. I testi e le parti vocali sono estremamente personali. E’ un disco che, pur non essendo musicalmente difficile, richiede un ascolto raccolto, al buio, per essere penetrato.
Prima che Veedon Fleece arrivasse nei negozi, era stato già ultimato ed annunciato il suo successore, dal nome “Mechanical Bliss” e dal tono opposto, gaio e spensierato. L’album non fu mai pubblicato.
Silvano Bottaro Blog 