Sesta selezione dei cento migliori brani jazz di tutti i tempi.
Brani di: Django di Modern Jazz Quartet, Compared To What di Les McCann, Red Clay di Freddie Hubbard, Ruby, My Dear di Thelonious Monk, April in Paris di Count Basie, Bitches Brew di Miles Davis, Twisted di Lambert, Hendricks & Ross, Maiden Voyage di Herbie Hancock, Mood Indigo di Duke Ellington e St. Louis Blues di Louis Armstrong.
Il 2 ottobre 1925 nasce a Jersey City, nel New Jersey Philip Urso detto Phil uno dei sassofonisti più estrosi e apprezzati della seconda metà del Novecento, noto soprattutto per la sua collaborazione con il trombettista Chet Baker negli anni ’50.
Nato a Jersey City, New Jersey, Urso si trasferì con la famiglia a Denver, Colorado, durante l’infanzia. Iniziò a suonare il clarinetto all’età di 13 anni, per poi passare al sassofono tenore durante il liceo. Durante la Seconda Guerra Mondiale, prestò servizio nella Marina degli Stati Uniti e sopravvisse a un attacco aereo giapponese nel 1943. Dopo la guerra, si stabilì a New York nel 1947, dove iniziò la sua carriera musicale professionale.
Negli anni ’50, Urso collaborò con importanti figure del jazz come Elliot Lawrence, Woody Herman, Jimmy Dorsey, Terry Gibbs, Miles Davis e Oscar Pettiford. Nel 1955 iniziò una lunga collaborazione con Chet Baker, partecipando a numerose registrazioni per l’etichetta Pacific Jazz. Il suo stile, influenzato da Lester Young, si caratterizzava per un fraseggio morbido e raffinato, tipico del cool jazz.
Negli anni successivi, Urso si trasferì a Denver, dove continuò a esibirsi a livello locale fino agli anni 2000. Nel 2002, registrò l’album Salute Chet Baker con il trombettista Carl Saunders, un tributo al suo storico collaboratore. Phil Urso è deceduto il 7 aprile 2008 a Denver, all’età di 82 anni.
Il 28 settembre 1938 a Henderson, nel North Carolina nasce il cantante soul Ben E. King.
Ben E. King, pseudonimo di Benjamin Earl Nelson (28.9.1938 – 30.4.2015), è stato un cantautore statunitense di musica soul, pop e rhythm and blues, celebre soprattutto per il brano Stand by Me del 1961, considerato una delle “canzoni del secolo”.
King iniziò la carriera nel 1958 unendosi ai Five Crowns, che poco dopo furono scelti per sostituire i membri originali dei Drifters, con cui cantò successi come There Goes My Baby (1959), Save the Last Dance for Me e This Magic Moment. Nel 1960 lasciò i Drifters per intraprendere la carriera solista, adottando il nome Ben E. King.
Come solista, ottenne subito successo con Spanish Harlem (1961) e soprattutto con Stand by Me, scritta insieme a Jerry Leiber e Mike Stoller, brano che ha avuto numerose riedizioni e riconoscimenti, entrando nella Grammy Hall of Fame e nella lista delle 500 canzoni che hanno segnato la storia del rock and roll. Altri suoi brani noti includono “Don’t Play That Song (You Lied)”, “I (Who Have Nothing)” e “Supernatural Thing” (1975).
King continuò a incidere e a esibirsi fino agli anni 2010, mantenendo un ruolo importante nella musica soul e R&B. È stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame come membro dei Drifters e ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua carriera.
Uno straordinario cortometraggio del grande chitarrista jazz Django Reinhardt, del violinista Stéphane Grappelli e della loro band, la Quintette du Hot Club de France, che si esibiscono su un set cinematografico nel 1938. Il film fu organizzato frettolosamente dall’agente britannico della band, Lew Grade, per presentare al pubblico britannico lo stile unico del gruppo, jazz basato su chitarra e violino, prima del loro primo tour nel Regno Unito. Come scrive Michael Dregni in Gypsy Jazz: Alla ricerca di Django Reinhardt e l’anima del Gypsy Swing :
Il Quintetto era sconosciuto al pubblico britannico e non si poteva prevedere quale sarebbe stata l’accoglienza della loro nuova musica. Così, Grade cercò di educare il suo pubblico. Assunse una troupe cinematografica per girare un cortometraggio promozionale di oltre sei minuti intitolato Jazz “Hot”, da proiettare nei cinema britannici, che offrisse una lezione di apprezzamento del jazz per riscaldare il pubblico.
Questo spiegherebbe il tono didattico dei primi due minuti e mezzo del film, che procede a rilento come una lezione di recupero sulla natura del jazz. Si apre con un’orchestra che esegue nota per nota il “Largo” di Händel, dall’opera Serse, che il narratore contrappone poi alla libertà dell’improvvisazione jazz.
Ma il film prende davvero vita quando Django arriva sullo schermo e si lancia in un arrangiamento jazz della popolare canzone francese “J’attendrai”. (Il nome significa “Aspetterò”, ed è una rielaborazione di una canzone italiana del 1933, “Tornerai” o “Tornerai”, di Dino Olivieri e Nino Rastelli). Sebbene le sequenze di Reinhardt e della band che suonano fossero ovviamente sincronizzate con una traccia registrata in precedenza, Jazz “Hot” è il miglior documento visivo sopravvissuto della tecnica di tastierizzazione a due dita del leggendario chitarrista, che sviluppò dopo aver perso l’uso di gran parte della mano sinistra in un incendio.
La band alt-rock di Londra The Open Flames ha finalmente lanciato il suo attesissimo album di debutto, “Same Time Next Year”, un disco pieno di energia grezza, narrazione letteraria e dinamiche texture sonore. Alimentato dal lancio dei loro singoli nel 2024 Drop a Coin ed Eat Alone, l’album consolida il posto della band nel panorama alt-rock, offrendo un viaggio audace ed emotivamente carico attraverso suoni ed esperienze. Spaziando dal groove ispirato a Dungeons & Dragons alla furia in stile primi Replacements di Lockdown, Same Time Next Year offre un esaltante mix di rock anthemico e riflessione intima. Al centro di tutto c’è il lirismo roco ma poetico di David Eastman, che lui e la co-cantante Paige Brubeck danno vita attraverso vivide narrazioni guidate dai personaggi. La narrazione cinematografica della band è esaltata dalla batteria fragorosa di Evan Sult, dalle linee di basso fluide e inventive di Brubeck e Len Bendel e da un’intera gamma di toni di chitarra distorti e intrisi di feedback. L’album trae ispirazione dalla grandiosa arena-rock dei R.E.M., dalla grinta viscerale della chitarra di Neil Young e dallo spirito punk rauco degli X, il tutto mantenendo un tocco moderno e distinto.
Il 25 settembre 1960 nasce a Roma Roberto Kunstler, un cantautore generoso che nella sua lunga carriera ha regalato moltissimi brani ad altri musicisti.
Il paroliere Kunstler ha iniziato a suonare e comporre canzoni alla fine degli anni ’70, esibendosi per la prima volta al Folk Studio. Nel 1984, ha pubblicato il suo primo singolo, “Danzando con la notte e col vento”, il cui lato B, “Piccola regina del varietà”, ha vinto il Premio Rino Gaetano. L’anno successivo, ha partecipato al Festival di Sanremo con la canzone “Saranno i giovani”.
Nel corso della sua carriera, Kunstler ha pubblicato diversi album, tra cui “Gente comune” (1985), “Pilato non mi vuole più” (1989) e “Eclettico Ecclesiastico” (1991). Ha anche collaborato con Sergio Cammariere, scrivendo con lui l’album “I ricordi e le persone” (1993). Kunstler ha scritto testi e musiche per altri artisti, tra cui Paola Turci, Francesca Schiavo e Ornella Vanoni.
Kunstler ha partecipato più volte al Premio Tenco sia come cantautore che come autore per Sergio Cammariere. La sua collaborazione con Cammariere ha portato alla canzone “Tutto quello che un uomo”, che ha ottenuto il terzo posto al Festival di Sanremo nel 2003 e ha vinto il premio della critica.
Oltre alla sua carriera musicale, Kunstler si è laureato in Archeologia e Storia delle religioni del Vicino Oriente Antico all’Università di Roma.
Dopo aver esplorato la forma canzone in tutti gli angoli in cui poteva essere illuminata, dopo avere utilizzato lo studio di registrazione come media nel senso contemporaneo del termine, i Beatles offrono tredici nuovi movimenti, cinque dei quali (Lucy in the Sky with Diamonds, Getting Better, She’s Leaving Home, With A Little Help From My Friend, A Day In Life) entreranno nella memoria collettiva. Per gli amanti della dietrologia, ci sono situazioni come il basso di McCartney registrato altissimo, le derive allucinatorie di Lennon, un crescente distacco tra le quattro personalità che lascia intravvedere la futura dissoluzione del quartetto attraverso le suite pluridirezionali di Abbey Road.
Sono solo considerazioni a posteriori, mentre la sostanza è quella di un caposaldo collage-pop senza grandi paragoni.
Another Side of Bob Dylan (1964)
Non sono io, baby
Qual è l’altra faccia di Dylan a cui allude il titolo?
Another Side of Bob Dylan è il quarto album in studio del cantautore statunitense Bob Dylan, pubblicato l’8 agosto 1964 dalla Columbia Records. L’album si discosta dallo stile più socialmente impegnato che Dylan aveva sviluppato con il suo precedente LP, The Times They Are A-Changin’ (1964). Il cambiamento suscitò critiche da parte di alcune figure influenti della comunità folk: il direttore di Sing Out! Irwin Silber si lamentò del fatto che Dylan avesse “in qualche modo perso il contatto con la gente” e fosse rimasto intrappolato “nell’armamentario della fama”. Nonostante il cambiamento tematico dell’album, Dylan eseguì l’intero Another Side of Bob Dylan come aveva fatto con i dischi precedenti: da solo. Oltre alla sua solita chitarra acustica e armonica, Dylan suona il pianoforte in una traccia, “Black Crow Blues”. Another Side of Bob Dylan raggiunse il numero 43 negli Stati Uniti (anche se alla fine divenne disco d’oro) e raggiunse l’ottavo posto nelle classifiche del Regno Unito nel 1965.
L’altra faccia di Bob Dylan a cui si fa riferimento nel titolo è presumibilmente quello romantico, assurdo e stravagante – tutto ciò che non era presente in Times They Are a-Changin’, un album decisamente folk e intriso di protesta. Per questo motivo, Another Side of Bob Dylan è un disco più vario e anche di maggior successo, poiché cattura l’espansione della musica di Dylan, offrendo interpretazioni fantasiose e poetiche sia di canzoni d’amore che di melodie di protesta. Contiene in realtà lo stesso numero di classici del suo predecessore, con “All I Really Want to Do”, “Chimes of Freedom”, “My Back Pages”, “I Don’t’ Believe You” e “It Ain’t Me Babe” tra i suoi standard, ma la chiave del successo del disco sono le tracce dell’album, eleganti, poetiche e stratificate. Sia i testi che la musica sono diventati più profondi e Dylan sta sperimentando nuove strade: questo, nella sua costruzione e nel suo atteggiamento, non è propriamente folk, ma abbraccia molto di più. Il risultato è uno dei suoi dischi migliori, un’opera incantevole e intima.
Rimanendo fedele a quella reticenza nel rispondere alle domande troppo dirette che ha contraddistinto tutta la sua lunga carriera, Bob Dylan non chiarì mai fino in fondo quale fosse il significato più profondo dell’“altra faccia” di se stesso a cui fa riferimento il titolo del disco. Eppure le atmosfere viscerali, i testi dai toni quasi allucinati, gli spunti ironici, gli errori ostentati e i temi evasivi forniscono un’immagine piuttosto chiara delle idee che passavano per la testa di Dylan quando riuscì finalmente a staccarsi le scomode etichette di portavoce di una generazione smarrita e di salvatore del popolo che gli erano state affibbiate dai media dopo l’uscita di due album pieni di canzoni di protesta dai toni decisamente intellettuali e socialmente molto impegnate. A questo punto Dylan aveva bisogno di prendersi una pausa, di allontanarsi per un attimo dagli aspetti più drammatici dell’esistenza e di tornare ai temi che gli erano più congeniali. L’album Another Side of Bob Dylan è questo e molto di più.
Il 20 settembre 1943 nasceva Bella Ciao. Così almeno è incline a credere gran parte dei ricercatori e degli appassionati cultori di canzoni popolari. La ricostruzione della storia e soprattutto dell’origine del brano, infatti, non è facile.
Bella ciao è un canto popolare italiano diventato l’inno simbolo della Resistenza partigiana contro il nazifascismo durante la Seconda Guerra Mondiale. Il testo racconta la storia di un partigiano che saluta la sua amata prima di andare a combattere contro gli invasori, esprimendo il desiderio di libertà e sacrificio per la causa.
Le origini precise di Bella ciao sono incerte e oggetto di dibattito. Non ci sono prove documentali certe della sua esistenza durante la guerra, e alcuni studiosi ritengono che sia stata composta dopo il conflitto, ispirandosi a melodie popolari precedenti come quella della canzone sovietica “Fischi al vento” o a canti popolari piemontesi e francesi. Alcune brigate partigiane, come la Brigata Maiella e la Brigata Garibaldi, la cantavano negli anni Quaranta, ma non era l’inno più diffuso tra i partigiani, che preferivano altri canti come “Fischia il vento”.
Il brano divenne celebre e simbolo universale di resistenza e libertà soprattutto dopo essere stato portato al Festival dei Due Mondi di Spoleto nel 1964, da dove si diffuse in Italia e nel mondo, assumendo un valore trasversale e politico senza riferimenti ideologici precisi. Oggi Bella ciao è cantata in molte lingue ed è un simbolo globale di lotta contro l’oppressione.
Alle volte, le canzoni potrebbero non nascere. Per Let It Be, viste le tensioni che c’erano tra i Beatles sarebbe stato possibile. Pensate se fosse andata davvero così, se Paul McCartney fosse arrivato in studio, avesse provato a far ascoltare la sua nuova canzone Let it Be agli altri tre e nessuno gli avesse dato retta. Magari McCartney avrebbe lasciato perdere, magari quella canzone solo abbozzata che aveva fatto sentire per la prima volta agli altri durante le session del White Album, nel 1968, i Beatles non l’avrebbero mai incisa, forse lui l’avrebbe realizzata dopo, con i Wings (come ironicamente suggerì Lennon, dopo la fine della band). E noi non avremmo quello che oggi, unanimemente, viene considerato come uno dei capolavori del repertorio beatlesiano.
Il brano nacque nel 1968, dopo che una notte a McCartney è venuta in sogno la madre Mary, che era morta quando Paul aveva solo quattordici anni, nell’ottobre del 1956. Il sogno non era un sogno qualsiasi, Paul aveva sognato la madre che lo invitava a non preoccuparsi, a lasciare andare le cose come dovevano andare, a non lasciarsi sopraffare dalle amarezze: “Una canzone positiva”, disse McCartney, “lei era venuta nei miei sogni per rassicurarmi mentre ero ansioso e paranoico, per dirmi che sarebbe andato tutto bene“. Quello che andava male, già dai tempi del White Album, era il clima all’interno dei Beatles, le tensioni dopo la morte di Brian Epstein si erano fatte via via più forti, e all’inizio del 1969 nulla era migliorato davvero. Harrison soffriva lo strapotere degli altri due autori, Lennon era completamente perso nel suo amore per Yoko e in mille progetti paralleli, era McCartney a insistere per tenere insieme il gruppo, mettendo in piedi progetti nuovi, come quello di un album registrato solo da loro quattro allo stesso modo delle origini, e anche quello di un film realizzato con le riprese della band al lavoro sul nuovo disco. Pensò addirittura a un concerto, per riportare dopo anni la band a suonare dal vivo. Le cose non andarono esattamente così, il concerto si ridusse alla famosissima esibizione sul tetto degli uffici della Apple nel centro di Londra, a Savile Row; le riprese del film non fecero che accentuare le tensioni e la lavorazione del disco, provvisoriamente intitolato Get Back, fu addirittura sospesa e il disco messo in stand by, superato poi dal lavoro che la band farà per Abbey Road.
Silvano Bottaro Blog 