Il brano “Hey Joe” ha una storia complessa e originariamente è stato scritto nel 1962 da Billy Roberts, un musicista della scena folk del Greenwich Village di New York. Prima di diventare famoso nella versione di Jimi Hendrix, “Hey Joe” fu inciso da diversi artisti e gruppi come i Leaves, i Byrds e i Love, ma nessuno riuscì a trasformarlo in un grande successo. Jimi Hendrix, che aveva già esperienza come chitarrista con artisti come gli Isley Brothers e Little Richard, arrivò a Londra nel 1966 grazie a Chas Chandler, ex bassista degli Animals, che ne riconobbe subito il talento e lo mise in contatto con Mitch Mitchell e Noel Redding, formando la Jimi Hendrix Experience. Hendrix registrò “Hey Joe” trasformandola in una versione più lenta, con un forte spirito blues e un’atmosfera psichedelica. Il singolo uscì nel dicembre 1966 e raggiunse la quarta posizione in classifica in Inghilterra nel febbraio 1967, lanciando Hendrix verso la fama. La canzone fu suonata da Hendrix al Festival di Monterey nel 1967, contribuendo a consolidare la sua leggenda. “Hey Joe” è diventata una “murder ballad” iconica, raccontando la storia di un uomo che uccide la sua donna infedele e tenta la fuga, tema che ha contribuito al suo fascino e alla sua rilevanza emotiva. La canzone è stata reinterpretata da numerosi artisti nel corso degli anni, spaziando dal rock al jazz, dimostrando la sua versatilità e la profondità della sua influenza nella musica popolare.
September Days segna il primo album solista di Mike Delevante, noto soprattutto per il lavoro con il fratello Bob nei The Delevantes, duo storico della scena Americana. Pur essendo un esordio individuale, l’album riflette la lunga esperienza di Delevante con melodie guitar-driven e un songwriting che si muove tra tradizione folk, rock classico e power pop. Questo nuovo progetto di Mike (voce/chitarra elettrica e acustica a 6 e 12 corde) si concentra su argomenti personali. Riflette su persone, luoghi ed esperienze con testi emozionanti su temi che esplorano riflessioni piene di rimpianti, resilienza e nuovi inizi.
La musica dell’album è caratterizzata da chitarre jangle-style, ritmi accattivanti e arrangiamenti che ricordano band e artisti come The Byrds, Tom Petty, The Jayhawks o figure del pop rock degli anni ’90. Questo connubio tra Americana e power pop crea un sound nostalgico ma vitale, che evita sia la mera riproposizione vintage sia l’eccessiva modernizzazione.
Il titolo dell’album evoca una stagione di transizione e introspezione, e questo si riflette nei testi: molte canzoni esplorano emozioni come la nostalgia, il desiderio, il senso di cambiamento e gli affetti — spesso con immagini della vita quotidiana e dell’attesa di momenti significativi. September Days di Mike Delevante è un album solido, pieno di chitarre orecchiabili e melodie ben costruite, che dimostra come un artista veterano possa reinventarsi senza tradire le proprie radici. È una proposta interessante per gli amanti dell’Americana melodica, del power pop classico e delle ballate che bilanciano nostalgia e freschezza sonora.
John Richard Handy III (nato il 3 febbraio 1933 a Dallas, Texas) è un musicista jazz americano, noto principalmente per il sax contralto. È compositore, arrangiatore, polistrumentista e cantante, associato soprattutto al sassofono contralto. Ha guadagnato fama negli anni ’50 lavorando con Charles Mingus, partecipando a capolavori come “Mingus Ah Um” e “Blues & Roots”. Negli anni ’60 ha guidato diversi gruppi, incluso un quintetto il cui concerto al Monterey Jazz Festival del 1965 ha ricevuto nomination ai Grammy per “Spanish Lady” e “If Only We Knew”. Handy ha studiato musica al San Francisco State College, ha servito nella guerra di Corea, e ha insegnato storia della musica e performance in varie università, tra cui Stanford e UC Berkeley. Tra i suoi lavori più importanti ci sono composizioni originali come “Spanish Lady” e “If Only We Knew” e opere come il “Concerto for Jazz Soloist and Orchestra”. Negli ultimi decenni ha guidato il gruppo “John Handy WITH CLASS”, una formazione innovativa che unisce jazz, blues, R&B, pop e musica modale creando un nuovo genere definito da lui “Clazzical Jazz”. In sintesi, John Handy è un musicista jazz versatile e influente, con una lunga carriera sia come esecutore che come educatore, noto per il suo stile espressivo e composizioni premiate.
Se c’è un lato positivo nei nostri tempi tumultuosi, è che i musicisti stanno facendo rivivere la canzone di protesta, una tradizione che si è esaurita dalla fine della guerra del Vietnam. “Fortunate Son” dei Credence Clearwater Revival, “Alice’s Restaurant” di Arlo Guthrie, “Machine Gun” di Jimi Hendrix: tutte queste canzoni prendevano di mira lo sforzo bellico sempre più maldestro delle amministrazioni Johnson e Nixon. Ma fu Neil Young a scrivere la canzone di protesta più schiacciante. Quando la Guardia Nazionale dell’Ohio sparò e uccise quattro studenti alla Kent State nel 1970, Young scomparve per alcune ore e tornò con il testo inquietante di “Ohio”.
Soldatini di piombo e Nixon in arrivo, finalmente siamo soli. Quest’estate sento il tamburo, quattro morti in Ohio.
Bisogna arrivare al dunque. I soldati ci stanno abbattendo. Avrebbe dovuto essere fatto molto tempo fa. E se l’avessi conosciuta e l’avessi trovata morta a terra? Come puoi scappare quando lo sai?
Con la sua nuova canzone pubblicata questa settimana, Bruce Springsteen riprende questo filo. “Streets Of Minneapolis” documenta l’omicidio di civili nella città più grande del Minnesota. Il 7 gennaio, l’agente dell’ICE Jonathan Ross ha sparato ripetutamente alla testa a Renee Good, uccidendo la madre di tre figli. Il 24 gennaio, due agenti federali hanno sparato almeno 10 colpi ad Alex Pretti, uccidendo all’istante. Giorni dopo, l’identità di questi assassini rimane nascosta, cosa che stranamente non sembra preoccupare le organizzazioni giornalistiche, quasi come se stessimo accettando silenziosamente di vivere in uno stato di polizia. Quando è stata l’ultima volta che gli agenti americani hanno potuto indossare maschere prima di uccidere civili, e poi nascondersi dietro un velo di anonimato dopo? Sì, è normale.
Sui social media, Springsteen ha scritto: “Ho scritto questa canzone sabato, l’ho registrata ieri e l’ho pubblicata oggi in risposta al terrorismo di stato che sta colpendo la città di Minneapolis. È dedicata alla gente di Minneapolis, ai nostri innocenti vicini immigrati e in memoria di Alex Pretti e Renee Good”. Potete vedere il video e leggere il testo qui sotto.
Attraverso il ghiaccio e il freddo invernale Lungo Nicollet Avenue Una città in fiamme ha combattuto il fuoco e il ghiaccio Sotto gli stivali di un occupante L’esercito privato di Re Trump del DHS Con le armi allacciate ai cappotti Sono venuti a Minneapolis per far rispettare la legge O almeno così racconta la loro storia Contro il fumo e i proiettili di gomma Alleprime luci dell’alba I cittadini si sono schierati per la giustizia Le loro voci risuonavano nella notte E c’erano impronte insanguinate Dove avrebbe dovuto esserci pietà E due morti lasciati a morire su strade innevate Alex Pretti e Renee Good
Oh nostra Minneapolis, sento la tua voce Cantare attraverso la nebbia insanguinata Prenderemo posizione per questa terra E per lo straniero in mezzo a noi Qui nella nostra casa hanno ucciso e vagato Nell’inverno del ’26 Ricorderemo i nomi di coloro che sono morti Nelle strade di Minneapolis
I criminali federali di Trump lo hanno picchiato In faccia e sul petto Poi abbiamo sentito gli spari E Alex Pretti giaceva morto nella neve La loro accusa era di legittima difesa signore non credere ai tuoi occhi È il nostro sangue e le nostre ossa E questi fischietti e telefoni Contro le sporche bugie di Miller e Noem
Oh nostra Minneapolis, sento la tua voce Che piange attraverso la nebbia insanguinata Ricorderemo i nomi di coloro che sono morti per le strade di Minneapolis
Ora dicono di essere qui per far rispettare la legge Ma calpestano i nostri diritti Se la tua pelle è nera o marrone, amico mio Puoi essere interrogato o deportato a vista
Nei canti dell’ICE ora in circolazione Il cuore e l’anima della nostra città persistono Attraverso vetri rotti e lacrime di sangue Sulle strade di Minneapolis
Oh nostra Minneapolis, sento la tua voce Cantare attraverso la nebbia insanguinata Qui nella nostra casa hanno ucciso e vagato Nell’inverno del ’26 Prenderemo posizione per questa terra E per lo straniero in mezzo a noi Ricorderemo i nomi di coloro che sono morti Per le strade di Minneapolis Ricorderemo i nomi di coloro che sono morti Per le strade di Minneapolis
Dean Owens, cantautore scozzese di grande talento, ci regala un altro album straordinario con “Pictures”. Questo lavoro dimostra ancora una volta la sua abilità nel creare canzoni coinvolgenti e toccanti. “Pictures” è un album che affronta temi universali come l’amore, la perdita e la ricerca di senso nella vita. Le canzoni sono scritte con una profondità emotiva che riesce a catturare l’ascoltatore sin dalle prime note. Owens dimostra una grande abilità nel raccontare storie attraverso le sue parole, creando immagini vivide che si insinuano nella mente dell’ascoltatore. L’album si apre con la traccia “Pictures in My Mind”, una ballata malinconica che mette in evidenza la voce calda e coinvolgente di Owens. La canzone cattura immediatamente l’attenzione e stabilisce il tono emotivo dell’intero album. Altre tracce degne di nota includono “Lost and Found”, una canzone che parla della ricerca di un senso di appartenenza, e “Ghost of Love”, un brano intenso che esplora il dolore della perdita. La produzione dell’album è impeccabile, con un suono pulito e ben bilanciato che permette alle parole di Owens di brillare. La sua abilità nel suonare la chitarra acustica è evidente in tutto l’album, aggiungendo un tocco di intimità alle canzoni. Una delle cose che rende Dean Owens un artista così speciale è la sua capacità di creare connessioni con l’ascoltatore. Le sue canzoni sono sincere e autentiche, e riescono a toccare le corde emotive in modo profondo. “Pictures” è un album che ti fa riflettere sulla vita e sulle esperienze che ci rendono umani. In conclusione, “Pictures” di Dean Owens è un ottimo album che mostra ancora una volta il suo talento come cantautore. Le canzoni sono ben scritte, emozionanti e riescono a creare un legame immediato con l’ascoltatore. Se sei alla ricerca di musica che ti tocchi il cuore e ti faccia riflettere, questo album è assolutamente da ascoltare.
The Man è stato sicuramente molto impegnato ultimamente, con questo sontuoso nuovo album di 20 tracce intriso di blues, che segue le orme dell’altrettanto accattivante e strepitoso Remembering Now dell’anno scorso. Questa volta Van Morrison applica senza sforzo il suo stile distintivo per infondere nuova vita a brani noti, per la maggior parte interpretati o scritti da numerosi luminari del blues, oltre a svelare alcuni nuovi e avvincenti brani originali.
Con una durata di oltre 90 minuti, c’è molto da dire e Morrison sembra rinvigorito da tutto ciò; scopre rarità raramente ascoltate, rivitalizza classici e offre interpretazioni impressionanti che sembrano provenire da qualcuno che ha la metà dei suoi anni. L’album è costruito come un omaggio alle leggende del blues e alle sue varie espressioni, con una selezione di cover di classici da BB King, Lead Belly, Sonny Terry & Brownie McGhee e altri, alternate a quattro brani originali firmati da Morrison stesso. Per dare vita a questa visione, Morrison si è circondato di grandi nomi del mondo blues come Taj Mahal, Buddy Guy ed Elvin Bishop, oltre a una band di veterani con esperienza nel blues di Chicago e nel jump blues (organo Hammond, piano, armonica e chitarre incisive) che rendono il sound organico, ricco e autentico.
Molti critici sottolineano il tono reverenziale e la profonda conoscenza del genere dimostrata da Morrison, che non si limita a riprodurre i brani ma li conversa, dando loro nuova vita pur restando fedele all’essenza. Indipendentemente da quanti altri album gli siano rimasti, il livello di intensità e talento dimostrato in “Somebody Tried to Sell Me a Bridge” dimostra che Van Morrison lascerà il segno. Somebody Tried to Sell Me a Bridge è un album per chi ama il blues classico e le interpretazioni mature, un lavoro che guarda alle radici con rispetto e passione, pur inserendovi lo stile personale e l’esperienza di una leggenda vivente della musica.
[…] Bring the Family è un disco che parla di amore, verso le persone, verso la natura, verso il mondo. E’ un disco perfetto: dieci canzoni di grandissimo spessore che sanno regalare emozioni genuine e dirette. Ry Cooder suona splendidamente ed Hiatt canta come non aveva mai fatto in precedenza. Se amate il rock americano non potete certamente farvi scappare questo meraviglioso disco. [continua…]
Questo disco fa parte di una lista casuale di album che mi sono particolarmente piaciuti, dall’età dell’adolescenza fino ai giorni nostri. Non segue un criterio cronologico né un ordine di preferenza. Alcuni album sono stati colonne sonore di passaggi importanti, altri mi hanno accompagnato silenziosamente, a volte solo per una stagione. La lista mescola generi, stili, voci, epoche. Non è una classifica, ma una mappa emotiva, fatta di memoria, ascolto, risonanza. È anche un modo per ringraziare quegli artisti – noti e meno noti – per la bellezza, l’inquietudine, la forza o il conforto che la loro musica mi ha lasciato. La musica, del resto, non si spiega: si ascolta, si sente, si porta con sé.
Essam: un’evoluzione tra tradizione e modernità. Imarhan, quintetto tuareg originario di Tamanrasset (Algeria), con Essam — che in Tamasheq significa “fulmine” — compiono un salto sonoro audace pur rimanendo profondamente radicati nelle proprie origini musicali. Il punto di forza di Essam è il bilanciamento tra il desert blues tradizionale (assouf) e elementi contemporanei, tra ambience elettronica e strumenti acustici. Questo non tradisce l’essenza del gruppo, ma lo spinge verso un territorio più vasto e contemplativo.
Il disco esplora temi universali ma radicati nella realtà nordafricana: Dislocamento e resilienza, con riferimenti alla situazione dei rifugiati e alle tensioni tra Algeria e Mali. Identità e appartenenza, attraverso testi in Tamasheq che raccontano la vita quotidiana e il legame con la propria terra. Comunità e celebrazione della cultura, con contributi vocali di musicisti locali e sezioni ritmiche corali che evocano l’energia collettiva di Tamanrasset.
Essam è un disco audace e affascinante, che vede Imarhan espandere il proprio linguaggio musicale senza rinunciare alle radici. È un album che parla di identità, movimento e speranza, capace di catturare l’ascoltatore in un viaggio sonoro tra dune di chitarre, ritmi ancestrali e paesaggi elettronici. Un ascolto consigliato a chi ama le musiche che uniscono tradizione globale e sperimentazione contemporanea.
La dimensione orchestrale generò come per incanto un protagonista d’eccezione, a tutti gli effetti un caso a parte nella già tumultuosa scena di quegli anni: Sun Ra. Per lungo tempo ci si è interrogati sulla sua personalità. Per alcuni fu un pagliaccio, per altri un genio. Lo stesso Sun Ra si mostrò del tutto incurante di questo aspetto della sua eccentrica carriera, il che ci fa propendere più per la seconda ipotesi. Non fece nulla per dissipare i dubbi, casomai li incoraggiò con una certa spudoratezza. In primo luogo creando il più assoluto mistero attorno alla propria identità, fino a oggi incerta. Sul suo vero nome si sono fatte molte ipotesi e, ovviamente, anche sul luogo e la data di nascita. Sun Ra voleva far credere di provenire direttamente dalle stelle, come indicava il suo nome d’arte. E quella del cosmo, dei pianeti, delle stelle, fu l’allegoria generale sulla quale costruí tutta la sua musica. I concerti di Sun Ra erano in realtà viaggi interplanetari, con visite su pianeti sconosciuti, fughe nella scia di stelle comete. Inizialmente si trattava di musiche proposte in ambiti strutturati in maniera tradizionale. Erano visioni celesti, orientaleggianti, perfino esotiche, alla maniera di certo cinema minore, ma erano anche dei brani con temi riconoscibili e durate contenute. Poi, col tempo, Sun Ra dilatò le sue performance, che assunsero una dimensione sempre più simile all’esplorazione informale, a un’idea di viaggio senza fine. L’aspetto più interessante di questa esperienza è nei modi in cui Sun Ra riusciva a combinare il suo assurdo universo con le esigenze e la disciplina necessarie a un’orchestra che ovviamente, nel suo caso, assomigliava più a un’orda di adepti che a un ensemble di musicisti. Una setta di cui lui era visibilmente il re incontrastato, anzi il Dio, il Figlio del Sole, con tanto di ancelle e vestali. Per quanto incredibile possa sembrare, la sua era effettivamente un’orchestra, capace a tratti di produrre momenti esaltanti, degni dell’esempio di Duke Ellington, da lui spesso citato, anche se l’impressione sonora era spesso in netto contrasto con l’immagine classica dell’iconografia astronomica, normalmente pura, silenziosa, armoniosa. Per Sun Ra il cosmo era, in realtà, una giungla tribale. comunità intenta a celebrare i propri riti tradizionali.
Fin dalla prima nota, la voce di Courtney è ciò che ti cattura: intima, limpida ed emotivamente precisa. Gli arrangiamenti di Valentine privilegiano trame acustiche e raffinate sfumature elettroniche; nulla è troppo elaborato, e questa sobrietà lascia respirare le canzoni. Questo non è un disco da festa. È un album da camera da letto, da ascoltare a tarda notte – tranquillo, introspettivo e ricco di dettagli – il tipo di disco che rivela nuove linee e piccole scelte di produzione a ogni ascolto.
C’è una tenerezza intrecciata al rimpianto in tutto l’album, e una manciata di versi sono così chiari da rimanere impressi. Courtney si muove in bilico tra alt-folk, country e indie, e il risultato è un album che sembra allo stesso tempo senza tempo e contemporaneo: una scrittura colta, una voce che sembra una conversazione serrata e una produzione che si pone al servizio delle canzoni anziché competere con esse.
Valentine di Courtney Marie Andrews è un album autentico, emotivamente ricco e artisticamente audace, che conferma la sua posizione come una delle voci più sincere e interessanti del panorama folk/Americana contemporaneo. Perfetto se ami cantautori riflessivi, testi poetici e sonorità che uniscono tradizione e sperimentazione.
Silvano Bottaro Blog 