Categoria: Suoni

Keith Jarrett – The Koln Concert (1975)

25 febbraio 2025

“Secondo me la miglior musica è sempre quella che suona come se non ci fosse stato nulla di scritto prima di essa. Se possibile, bisogna sempre tornare a ripartire dal silenzio”

Con queste parole Keith Jarrett esprimeva il suo personalissimo concetto di musica fatto da continue scoperte. Settanta minuti d’improvvisazione geniale, un continuo smussare pensieri musicali in evoluzione con impostazioni fluide e un particolare uso percussivo delle tastiera. Jarrett non è un caposcuola, non ha discepoli devoti, eppure è un maestro unico. Il ‘concerto di Colonia’ carpisce un momento di grandissima creatività. Il pianista sceglie un suono o una frase e la elabora estemporaneamente, senza premeditazione alcuna, solo con meravigliosa spontaneità e gusto imprevedibile.

“Non possiedo nemmeno un seme quando comincio a suonare. E’ come partire da zero”.

Passaggi veloci, prepotenza generosa di estrema liricità ed una grande musica senza spartito che poggia le sue basi, oltre che sull’abilità tecnica, sulla possibilità di continuare ad inserire nuovi suoni, nuove melodie.

Un artista randagio che cercherà ancora la sua poesia interiore con modalità inusitate, con avventure roboanti e per certi versi eccessive. Questa resta indubbiamente l’essenza sublime del suo inarrestabile pianismo, un album jazz che a tutt’oggi ha venduto qualcosa come duemilioni e mezzo di copie.

“Il jazz è lasciare che la luce brilli. Non cercare di accrescerla, lasciarla essere”. 

A.C. Reed: il Blues con la voce ed il sax

24 febbraio 2025

A.C. Reed, nato Aaron Corthen il 9 maggio 1926 a Wardell, Missouri, è stato un importante sassofonista e cantante di blues e R&B, noto per il suo lavoro come sideman per molte leggende del blues e per la sua carriera da solista. Reed si trasferì a Chicago da giovane, dove si inserì rapidamente nella vivace scena blues della città, contribuendo a plasmare il suono del blues elettrico di Chicago.
Durante la sua lunga carriera, A.C. Reed suonò con grandi nomi come Muddy Waters, Buddy Guy, Earl Hooker, e Albert Collins. Uno dei suoi contributi più significativi fu il suo lavoro con la band di Albert Collins, con cui girò per molti anni. Reed era particolarmente apprezzato per il suo stile melodico e deciso al sassofono tenore, che aggiungeva un tocco distintivo alle performance delle varie band con cui collaborava.
Nonostante la sua fama come sideman, Reed intraprese anche una carriera da solista, registrando diversi album e canzoni memorabili. Era noto per il suo senso dell’umorismo nei testi, spesso ironici, e per la sua capacità di combinare l’energia del blues con un groove R&B più morbido.
Alcuni dei suoi brani più noti includono “I Got Money to Burn”, “My Buddy Buddy Friends”, e “She’s Fine”. Reed si distinse non solo come un grande sassofonista, ma anche come un uomo che portava una vivace personalità nelle sue esibizioni e registrazioni.
A.C. Reed è stato attivo fino alla sua morte avvenuta il 24 febbraio 2004, a Chicago, nell’Illinois (USA), lasciando un’eredità importante come uno dei grandi sassofonisti del blues di Chicago.

Johnny Winter, il chitarrista albino

23 febbraio 2025

Johnny Winter è stato un leggendario chitarrista blues e rock statunitense, noto per la sua tecnica virtuosistica sulla chitarra e il suo stile distintivo. Nato il 23 febbraio 1944 a Beaumont, Texas, è diventato famoso alla fine degli anni ’60 e ’70.

Winter era conosciuto per il suo aspetto caratteristico: capelli bianchi lunghi e un look da cowboy, spesso indossava cappelli a tesa larga e occhiali da sole. Era anche un albino, il che contribuiva alla sua immagine unica.

La sua musica spaziava dal blues tradizionale al rock’n’roll, e ha avuto una grande influenza sulla scena musicale di quegli anni. Ha lavorato con molti artisti importanti, tra cui Muddy Waters, di cui ha prodotto diversi album. Tra i suoi brani più noti ci sono “Rock and Roll, Hoochie Koo” e “Highway 61 Revisited”.

Johnny Winter ha continuato a esibirsi e registrare musica fino alla sua morte, avvenuta il 16 luglio 2014, lasciando un’eredità duratura nella storia della musica blues e rock.

Magic Slim: dal Mississippi a Chicago in nome del Blues

21 febbraio 2025

Magic Slim, nato Morris Holt il 7 agosto 1937, è stato un leggendario chitarrista e cantante di blues americano, noto per il suo contributo al genere “Chicago blues”. Nato a Torrance, Mississippi, Magic Slim ha sviluppato il suo stile distintivo che fondeva la forza del blues del Delta con la complessità elettrica del blues di Chicago.
Inizialmente, Holt suonava il pianoforte, ma dopo aver perso un dito in un incidente, si dedicò alla chitarra. Trasferitosi a Chicago negli anni ‘50, fu influenzato da artisti come Muddy Waters, Howlin’ Wolf e Little Walter. Dopo aver suonato per qualche tempo come bassista per Magic Sam (da cui derivò il soprannome “Magic”), iniziò a formare la sua band, i “Teardrops”.
Magic Slim & The Teardrops divennero uno dei gruppi di blues più rispettati, mantenendo sempre viva la tradizione del blues elettrico puro e grezzo. Era noto per il suo suono crudo e potente, fatto di riff pesanti e linee di basso trascinanti, che incarnavano perfettamente lo spirito del Chicago blues.
Magic Slim ha registrato numerosi album e girato in tutto il mondo, guadagnandosi l’ammirazione sia degli appassionati di blues che dei musicisti contemporanei. È stato spesso considerato uno degli ultimi autentici portavoce del blues tradizionale di Chicago, mantenendo lo stile vivo fino alla sua morte avvenuta il 21 febbraio 2013 a Filadelfia, Pennsylvania, USA.

A Quick One, While He’s Away – The Who (1966)

20 febbraio 2025

Siamo nel 1966, e l’ambizione del rock sta diventando sempre più grande. Gli artisti principali, i Beatles, Dylan, gli Stones, i Kinks tanto per citarne alcuni, cominciano a stare stretti nel formato della canzone pop di tre minuti. A Quick One, While He’s Away racconta la storia di una ragazza che resta sola perché il suo uomo è partito da quasi un anno e si consola, per meglio dire trova rimedio, con un engine driver, un macchinista di passaggio. Quando il fidanzato ritorna, lei gli confessa il tradimento e lui alla fine la perdona. Non è tanto la storia na essere interessante, quanto la struttura del brano, che vede tutti e quattro i componenti della band mettere in scena un’opera con personaggi diversi e con un unico tema. A Quick One, While He’s Away è un brano di svolta, è il primo vero tentativo degli Who di uscire dall’universo mod e puntare dritti al centro, al cuore del rock. È soprattutto un brano che indica una strada, dice al mondo che il rock si può usare per uscire dai cliché, che il rock non ha limiti e confini se non quelli della creatività degli artisti. Per gli Who sarà un cambiamento fondamentale, per il rock uno dei mattoni che porterà dritti al progressive e a cambiare la storia della musica popolare.

Thelonious Monk: l’eredità di un musicista jazz unico

17 febbraio 2025

Thelonious Monk è stato una figura fondamentale del jazz, noto per il suo approccio innovativo come pianista e compositore. Nato il 10 ottobre 1917 a Rocky Mount, nella Carolina del Nord, si trasferì a New York City in giovane età, dove sviluppò il suo stile unico che combinava elementi di bebop e hard bop.
Le composizioni di Monk sono caratterizzate dalle loro dissonanze, dai colpi di scena melodici angolari e dalle progressioni di accordi non convenzionali. Alcune delle sue opere più famose includono: ‘Round Midnight Blue Monk Straight, No Chaser Ruby, My Dear In Walked Bud.
È riconosciuto come il secondo compositore jazz più registrato dopo Duke Ellington, con un repertorio che è diventato uno standard nella musica jazz.
Lo stile di esecuzione di Monk era distintivo quanto le sue composizioni. Spesso mostrava un attacco altamente percussivo al pianoforte ed era noto per le sue pause drammatiche e i silenzi durante le esibizioni. Il suo aspetto era altrettanto notevole; di solito indossava completi, cappelli e occhiali da sole. Monk aveva l’insolita abitudine di alzarsi in piedi per ballare durante le esibizioni, il che si aggiungeva alla sua eccentrica presenza scenica.
Per tutta la vita, Monk ha dovuto affrontare sfide legate alla salute mentale. Ha attraversato periodi di grave malattia mentale, che hanno influenzato la sua capacità di esibirsi e di relazionarsi con gli altri. Nonostante queste difficoltà, ha mantenuto un seguito fedele e ha continuato a influenzare la scena jazz fino ai suoi ultimi anni. Negli anni ’70, Monk è diventato sempre più solitario a causa del declino della salute e ha trascorso i suoi ultimi anni vivendo con la sua mecenate Pannonica de Koenigswarter.
Morì per un ictus il 17 febbraio 1982.
L’eredità di Monk perdura attraverso la sua musica e il profondo impatto che ha avuto sul jazz. Le sue tecniche e composizioni innovative continuano a ispirare musicisti in tutto il mondo. Rimane una figura celebrata nella storia del jazz, riconosciuto non solo per il suo genio, ma anche per le complessità della sua storia di vita.

Beach Boys

15 febbraio 2025

Insuperabili eroi della surf music furono i Beach Boys, per l’appunto i «ragazzi da spiaggia», un gruppo essenzialmente vocale caratterizzato da raffinate armonie prese a prestito dallo stile doo-wop, da molte reminiscenze rock’n’roll e da una contagiosa energia che si tradusse presto in un enorme successo commerciale. Molto spesso il loro sound e il loro stile è stato accostato a quello del pop bianco degli anni Cinquanta, ma a ben guardare la musica surf aveva caratteristiche profondamente differenti.
Al di là di certa fascinosa levità che caratterizzava la loro musica, i Beach Boys sono stati la prima voce originale proveniente dalla California. Testimoniavano di un’euforia del tutto speciale, che nessun altro luogo dell’America avrebbe potuto sprigionare.
Per la prima volta nella storia musicale americana, il mito californiano parlava e raccontava di se stesso. Del rock’n’roll rimanevano la struttura delle canzoni, l’ossatura sulla quale venivano costruiti i nuovi brani, e una certa energia contagiosa, spesso espressa da una base ritmica accentuata e da riff di chitarra particolarmente incisivi che venivano fusi, in maniera originalissima, con le armonie vocali delle bands doo-wop. Ma ancora una volta, come spesso era già accaduto, a essere significativa non era solo la musica, ma la qualità dell’energia che emanava dai quei singoli senza troppe ambizioni. Era in fondo una logica continuazione del rock’n’roll, ma non c’erano piú le tensioni, le istanze ribellistiche e trasgressive che avevano caratterizzato gli eroi degli anni Cinquanta. Mentre il «teen pop» della «restaurazione» tendeva a smorzare l’energia del rock’n’roll, a «sbiancare» sonorità che, nonostante tutto, erano fortemente radicate nel suono della musica nera, il surf era il rock’n’roll in termini diversi, il rock’n’roll visto dai ragazzi bianchi della middle class americana.

Animals – The Complete (1990)

11 febbraio 2025

Il gruppo bianco più dichiaratamente black della storia del R&B inglese: gli Animals del cantante Eric Burdon sono fra i maggiori interpreti del repertorio blues e soul di sempre, porto con una rudezza beat unica. Questo doppio antologico documenta al meglio il periodo d’oro della band di Newcastle, raccogliendo singoli finiti su album che già originariamente altro non erano che raccolte. House Of The Rising Sun, It’s My Life, We’ve Gotta Get Out Of This Place, possiedono ancora oggi una carica melodico-ritmica speciale, fotografano una formazione durata poco più di un triennio (dal 62/63 al ’66) ma fondamentale per la storia del rock a venire. Il bassista Chas Chandler, sarà il manager di Jimi Hendrix: Burdon dal ’66 esporterà la sigla New Animals negli Stati Uniti, con quattro lp splendidamente misconosciuti e floreali.

Ascolta il disco

Gillian Welch and David Rawlings -Woodland (2024)

6 febbraio 2025

Gillian Welch e David Rawlings hanno pubblicato il loro decimo album in studio, “Woodland”, tramite la loro etichetta Acony Records il 23 agosto 2024. La raccolta di 10 canzoni è un mix di brani di band completa e intricate esibizioni in duetto, il tutto legato al suono e ai testi distintivi di Welch e Rawlings e conferma la posizione della coppia in prima linea nella scena della musica acustica. “Woodland” prende il nome ed è stato registrato nei Woodland Sound Studios di Welch e Rawlings a Nashville. Hanno detto: “Woodland è al centro di tutto ciò che facciamo, e lo è da circa vent’anni. Gli ultimi quattro anni sono stati trascorsi quasi interamente tra le sue mura, riportandolo in vita dopo il tornado del 2020 e realizzando questo disco. La musica è (le canzoni sono) un vortice di contraddizioni, vuoto, pienezza, gioia, dolore, distruzione, permanenza. Ora.” “Woodland” è il loro primo album da “All the Good Times” del 2020, una raccolta di cover e canzoni folk classiche che gli è valsa il Grammy 2021 per il miglior album folk, ed è il loro primo album di nuova musica originale da “Poor David’s Almanack” del 2017.

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Stormy Six — Un biglietto del tram (1975)

1 febbraio 2025

Anni caldi questi. Siamo a metà degli anni settanta ed esattamente nel ’75 esce questo disco che è il più bell’esempio di “musica politica” mai prodotto in Italia. L’album “Un biglietto del tram” è il primo vero album decisamente originale e con forti contenuti politici degli Stormy Six.
Forse è storia o forse è leggenda che a Milano alcune frange del “movimento” abbiano accusato gli Stormy Six di deviazionismo, la colpa: incidere dischi e, soprattutto, venderli! Questo è stato lo scotto di una notorietà costruita concerto dopo concerto, piazza dopo piazza.
La grandezza di questo “progetto” è stata nella capacità di saper raccontare attraverso le “immagini”, un’Italia in guerra.

Il disco apre con quello che diventerà uno dei loro portabandiera, la bellissima “Stalingrado” (…sulla sua strada gelata la croce uncinata lo sa d’ora in poi troverà Stalingrado in ogni città) canzone di forte spessore che rievoca l’omonimo assedio. “La fabbrica” (…e corre qua e là un ragazzo a dar la voce si ferma un’altra fabbrica, altre braccia vanno in croce) ci restituisce l’atmosfera di paura e fervore che precede il grande sciopero del marzo del 1943 nelle fabbriche del nord. “Arrivano gli Americani” (…arrivano gli americani, garibaldini marziani, Vergine Santa, hai sentito le nostre preghiere!) testo ironico e di facile riff che rimane nella mente, imperniato sulla “liberazione americana (?)”. “8 Settembre” (…ammazzati come cani, un cartello appeso al collo: ’PARTIGIANI’) probabilmente il brano più intenso dove i testi e la musica si intrecciano in un tutt’uno canzone carica e profonda ed espressione di una grande tragedia. “Nuvole a Vinca” (…dove sono i giovani, prigionieri in Africa, deportati a Buchenwald o sui monti, liberi…) rende palpabile la paura provocata dalla polvere che si solleva e da quella moto con sidecar che sgomma sulla piazza prima del massacro. La bellissima “Dante di Nanni” (…e cento volte l’hanno ucciso, ma tu lo puoi vedere: gira per la città, Dante di Nanni) affronta naturalmente la resistenza e diviene una figura quasi mitica, il simbolo di una battaglia che, trent’anni dopo, non doveva cessare. “Gianfranco Mattei” (…e se per di più sei un comunista ed un ebreo, dalle mani dei nazisti ti salvi il tuo Dio!) brano a ricordare tutte quelle persone che hanno speso la propria vita in cambio della nostra libertà. In “La sepoltura dei morti” (…la morte non vale nemmeno il giornale che leggi e che poi butti via) c’è l’amara riflessione di quello che è avvenuto in seguito ai fatti cruciali del ‘900 e delle sue conseguenze. “Un biglietto del tram” (…non bastava un biglietto, un biglietto del tram per tornare in piazzale Loreto?) conclude amaramente l’album.

Ora più che mai questo disco risuona attuale, in un momento che i giovani sembrano incapaci di stare a sentire un ragionamento politico per più di cinque minuti, sarebbe l’occasione giusta per ascoltare questo disco. Disco che, sia chiaro pur essendo “politico” nei suoi testi, rimane musicalmente parlando ricco di spunti e di idee. Gli strumenti creano un tappeto sonoro che non fa da supporto ma, è parte integrante alle parole stesse, un disco quindi dove anche la Musica ha un valore non secondario.