Tag: Almanacco

Benny Goodman: the “King of the Swing”

30 Maggio 2025

Benny Goodman  (30 maggio 1909 – 13 giugno 1986) è stato un clarinettista e bandleader americano, celebrato come “Re del Swing” per la sua influenza nello sviluppo e nella diffusione del jazz swing negli anni ’30 e ’40. Nato a Chicago, Goodman ha iniziato a suonare professionalmente a 12 anni, affinando le sue abilità tecniche e l’impegno per la perfezione. Il suo trio (1935–1938) e successivamente la sua big band (1935–1946) sono diventati icone, trasformando il jazz da un fenomeno di nicchia a un fenomeno culturale mainstream.
Goodman è stato pioniere nel jazz di alto livello, fondendo swing con un’eleganza orchestrale. La sua interpretazione di “Sing, Sing, Sing” (1937), registrata con la sua band, è diventata iconica, evidenziando la sua energia dinamica e la sua leadership. Ha anche aperto la strada alla fusione del jazz con la musica classica, suonando concerti con orchestre sinfoniche e promuovendo i compositori jazz.
Un aspetto significativo della sua carriera è stata la formazione della prima band jazz integrata, che includeva artisti come Teddy Wilson, Lionel Hampton e Gene Krupa. Questo atto progressista ha sfidato le norme di segregazione dell’epoca, contribuendo a cambiare le percezioni sociali della musica jazz.
Il suo concerto del 1938 al Carnegie Hall è stato uno dei primi concerti di jazz a registrare un sold-out, segnando un momento storico per il genere. Anche dopo aver smesso di suonare con la sua band, Goodman ha continuato a esibirsi e registrare fino alla morte, mantenendo il suo amore per la musica.

Peggy Lee, l’altra Norma Jean

26 Maggio 2025

Il 26 maggio 1920 nasce a Jamestown, nel North Dakota, Norma Jean Egstrom destinata a diventare, con il nome d’arte di Peggy Lee, una delle più popolari cantanti del periodo d’oro del rock and roll. Bionda e bianchissima, ancora adolescente si innamora della musica nera, in particolare del jazz.
Peggy Lee è stata una cantante, compositrice e attrice jazz americana, le cui performance emotivamente profonde e il suo timbro caldo e versatile hanno lasciato un segno duraturo sulla musica del XX secolo.
La voce di Peggy Lee è ricordata per la sua profondità emotiva, la sua versatilità e la sua capacità di mescolare jazz, pop e teatro. È stata introdotta nell’Hall of Fame dei compositori (1999) e nel Songwriters Hall of Fame (1970). Le sue canzoni trattano temi di perdita, malinconia e introspezione, rendendola un simbolo dell’angoscia artistica del XX secolo.
Peggy Lee rimane un’icona della musica jazz e popolare, celebrata per la sua voce e il suo talento compositivo.

Ian Curtis, il fragile cuore dei Joy Division

18 Maggio 2025

Il 18 maggio 1980, alla vigilia del primo tour statunitense della sua band, Ian Curtis, il cantante dei Joy Division, si impicca nella sua abitazione di Manchester. La crisi del suo matrimonio e, soprattutto, i primi chiari ed evidenti sintomi di un’epilessia progressiva hanno minato la sua voglia di vivere.
La sua eredità è legata alla sua lotta contro la depressione e l’epilessia, che ha influenzato profondamente il suo lavoro e la sua vita personale. La sua scrittura era metaforica e intimista, trattando temi come l’isolamento, la malattia e la morte. La sua voce divenne un simbolo dell’angoscia e dell’angoscia della generazione.
All’età di 23 anni, si suicidò legandosi delle corde attorno al collo. La sua morte colpì profondamente la band, che, con la sopravvivenza del bassista Peter Hook, dei fratelli Sumner e Gillespie, si trasformò in New Order.
Ian Curtis rimane un’icona dell’angoscia artistica e un simbolo di come la bellezza possa emergere dall’oscurità.

Carla Bley, la determinazione di un donna in jazz

11 Maggio 2025

L’11 maggio 1938 nasce a Oakland Carla Bley, uno dei grandi talenti musicali femminili del Novecento. Il suo nome alla nascita è quello di Carla Borg. È suo padre, organista e maestro del coro in una chiesa di Oakland, che la spinge prestissimo a cantare e a imparare il pianoforte.
Carla Bley è nota per le sue composizioni avanguardistiche, l’uso innovativo della big band, le sue trascrizioni jazz e il suo lavoro come leader di etichetta discografica.
Bley inizia a suonare il piano da bambina e si avvicina al jazz negli anni ’50. La sua musica combina elementi di jazz, musica classica e sperimentale, spesso con arrangiamenti complessi e testi ironici. È particolarmente conosciuta per le sue composizioni per big band e orchestra.
Ha collaborato con artisti come Charlie Haden, Michael Mantler e Steve Swallow (suo marito). Ha contribuito a progetti come “Liberation Music Orchestra”, che mescola jazz e musica politica.
Nel 1971 fonda l’etichetta discografica Watt, che pubblica lavori di Jan Garbarek, John Zorn e altri. L’etichetta ha promosso la musica sperimentale e la musica jazz non commerciale.
Bley è stata una pioniera nel ruolo della compositrice nello jazz, sfidando le norme di genere e i confini musicali. La sua musica è apprezzata per la sua originalità e profondità emotiva.

Carey Bell: tra i massimi armonicisti Blues di ogni epoca

6 Maggio 2025

Carey Bell è stato un rinomato chitarrista e armonicista blues americano, nato William Leonard “Carey” Bell Jr. il 14 dicembre 1936 a Chicago, Illinois, ed è deceduto il 6 maggio 2009. Era soprannominato “il Maestro”, in riconoscimento della sua eccezionale maestria nella musica blues.
Bell è stato una figura chiave nel blues di Chicago degli anni ’50 e ’60, lavorando con artisti come Buddy Guy, Otis Rush e Muddy Waters. La sua musica è caratterizzata da un’influenza distintiva e appassionata, sia nella chitarra che nell’armonica. Si è distinto per l’uso di tecniche innovative che incorporavano elementi jazz e swing, facendolo risaltare nella scena blues.
Nel corso della sua carriera, ha pubblicato oltre 15 album e ha collaborato con artisti di diversi generi, tra cui Eric Clapton, B.B. King e John Lee Hooker. Alcuni dei suoi brani più noti includono “I Got to Go” e “Your Good Thing (Is About to End)”.

James Brown: Re del Funky

3 Maggio 2025

James Brown, spesso chiamato “Soul Brother No. 1” o “The Godfather of Soul,” è stato una figura iconica nella musica afroamericana. Nato il 3 maggio 1933 a Barnwell, Carolina del Sud, Brown ha plasmato il soul, il funk e il rhythm and blues con la sua intensa energia sul palco e la sua musica innovativa. È conosciuto per la sua performance in “I Got You (I Feel Good)” (1965), che è diventata un inno culturale. Il suo lavoro ha influenzato generi come il hip-hop, la musica elettronica e il rock, e ha introdotto elementi come ritmi frenetici, chiamate e risposte e l’uso di strumentali strumentali.

Brown ha affrontato sfide personali, inclusi problemi legali e abusi familiari. Fu imprigionato per aggressione nel 1988, ma riformò la sua vita, concentrandosi sulla musica e sulla filantropia. È stato introdotto nella Rock and Roll Hall of Fame nel 1986 e ha ricevuto 17 Grammy. Morì il 25 dicembre 2006, ma il suo lascito continua di ispirare musicisti e pubblico in tutto il mondo.

Otis Spann: un Bluesman originale

24 aprile 2025

Otis Spann è stato uno dei più grandi pianisti di blues di tutti i tempi, noto soprattutto per il suo ruolo centrale nel Chicago blues. Nato il 21 marzo 1930 a Jackson, Mississippi, Spann è cresciuto immerso nella musica, apprendendo i segreti del pianoforte da sua madre, che era una cantante e pianista di blues, e da una figura paterna importante, forse il leggendario pianista Big Maceo Merriweather.
Spann si trasferì a Chicago negli anni ’40, dove divenne una figura fondamentale della scena blues della città. La sua carriera decollò quando si unì alla band di Muddy Waters nel 1952. Insieme a Muddy Waters, Spann contribuì a definire il suono del Chicago blues, con il suo stile di piano intenso e trascinante, caratterizzato da una combinazione di ritmi potenti e un uso espressivo della mano sinistra per creare un solido groove.
Il suo tocco al piano era inconfondibile: un mix di profondità emotiva, grande tecnica e un senso innato del ritmo. Spann è stato un collaboratore di lunga data di Waters e ha suonato con lui per oltre un decennio, partecipando a registrazioni fondamentali come “I’m Ready”, “Hoochie Coochie Man” e “Mannish Boy”. Durante questo periodo, Spann ha anche inciso come solista, pubblicando dischi memorabili come “Otis Spann Is The Blues” (1960) e “The Blues Never Die!” (1965), in cui la sua voce calda e il suo piano erano al centro della scena.
Oltre al suo lavoro con Waters, Spann ha collaborato con altri grandi del blues come Howlin’ Wolf, Bo Diddley e Buddy Guy. Il suo stile univa il blues del Delta con il più moderno Chicago blues elettrico, rendendolo un musicista versatile e rispettato.
Otis Spann morì prematuramente il 24 aprile 1970 a soli 40 anni, ma il suo impatto sulla musica blues è stato immenso. È considerato uno dei pianisti più influenti della storia del blues, e la sua eredità vive nelle opere dei tanti musicisti che ha ispirato.

George “Harmonica” Smith: innovatore dell’armonica Blues

22 aprile 2025

George “Harmonica” Smith, nato il 22 aprile 1924 a Helena, Arkansas, è stato un virtuoso dell’armonica e uno dei più influenti bluesman della sua generazione. È noto per il suo stile potente e ricco di sfumature, che ha contribuito a ridefinire il ruolo dell’armonica nel blues, in particolare nel genere del Chicago blues.
Smith iniziò a suonare l’armonica in giovane età, ispirato da musicisti come Sonny Boy Williamson I. Si trasferì a Chicago, dove divenne un esponente di spicco della scena blues, collaborando con artisti del calibro di Muddy Waters e Little Walter, due dei più grandi interpreti del Chicago blues. Smith si distinse per il suo tono pieno e robusto e per la sua capacità di passare da uno stile melodico a uno più aggressivo, il che lo rese molto apprezzato tra i suoi contemporanei.
Nonostante il suo enorme talento, George “Harmonica” Smith non raggiunse mai lo stesso livello di fama di altri armonicisti blues, ma la sua influenza si fece sentire profondamente tra i musicisti della West Coast e tra i suoi successori. Si trasferì a Los Angeles negli anni ’50, dove divenne un punto di riferimento nella scena musicale blues locale e lavorò con artisti come Big Mama Thornton e Junior Wells.
Smith è stato anche un insegnante influente, contribuendo alla formazione di nuovi talenti, tra cui il celebre armonicista Rod Piazza, con il quale ha suonato in una band chiamata Bacon Fat.
La sua carriera fu interrotta prematuramente dalla sua morte nel 1983, ma il suo stile unico e la sua tecnica rimangono una pietra miliare per gli armonicisti blues di oggi. George “Harmonica” Smith è ricordato come un maestro dell’armonica blues, capace di evocare emozioni profonde attraverso il suo strumento, e la sua musica continua a essere apprezzata da appassionati del blues di tutto il mondo.

Herbie Hancock, un talento irrequieto

12 aprile 2025

Herbie Hancock è uno dei musicisti jazz più influenti e innovativi di tutti i tempi, noto per la sua capacità di fondere diversi generi musicali e spingere i confini del jazz verso nuove direzioni. Nato a Chicago il 12 aprile 1940, Hancock è un pianista, tastierista, compositore e produttore che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia della musica, sia come solista che come membro di band leggendarie.
Hancock iniziò a suonare il piano da bambino e presto dimostrò un talento straordinario. A 11 anni si esibì con la Chicago Symphony Orchestra, e da giovane studiò ingegneria elettrica e musica. La sua grande occasione arrivò nel 1963, quando si unì al Quintetto di Miles Davis, una delle formazioni più importanti nella storia del jazz. Insieme a Davis, Wayne Shorter, Ron Carter e Tony Williams, Hancock contribuì a creare un nuovo linguaggio musicale che mescolava il jazz modale e l’improvvisazione con influenze elettroniche e sperimentali.
Parallelamente alla sua carriera con Davis, Hancock iniziò a pubblicare album solisti, molti dei quali sono diventati classici del jazz. Album come “Maiden Voyage” (1965) e “Speak Like a Child” (1968) misero in evidenza la sua sensibilità melodica e la sua creatività armonica. Negli anni ‘70, Hancock sperimentò ulteriormente, diventando uno dei pionieri del jazz fusion con album come “Head Hunters” (1973), un’opera che mescolava jazz, funk e musica elettronica. Il singolo “Chameleon” divenne una pietra miliare del genere e mostrò il suo uso innovativo dei sintetizzatori.
Durante gli anni ’80, Hancock continuò a esplorare nuovi suoni e stili. Il suo brano “Rockit” (1983) fu un successo globale e gli valse un Grammy Award. La canzone, con il suo uso rivoluzionario di scratch di DJ e suoni elettronici, portò il jazz verso la musica pop e hip-hop.
Hancock ha continuato a reinventarsi nel corso dei decenni, collaborando con artisti di tutti i generi musicali, dai grandi del jazz come Wayne Shorter e Joni Mitchell, ai musicisti contemporanei. Il suo album “River: The Joni Letters” del 2007 vinse il Grammy Award per l’Album dell’Anno, un riconoscimento raro per un’opera jazz.
Herbie Hancock non è solo un innovatore musicale, ma anche un influente ambasciatore della musica globale. Ha esplorato influenze provenienti da culture di tutto il mondo e ha sempre spinto verso un dialogo tra il jazz e altre forme musicali. La sua capacità di adattarsi e rimanere rilevante in diversi contesti musicali lo ha reso una figura unica nella storia della musica.

Mance Lipscomb: musicista Blues scoperto a 65 anni

9 aprile 2025

Mance Lipscomb, nato Emancipation Lipscomb il 9 aprile 1895 a Navasota, Texas, è stato un importante chitarrista e cantante di blues rurale e folk, noto per il suo stile di chitarra fluido e la sua capacità di raccontare storie attraverso la musica. A differenza di molti altri musicisti blues della sua epoca, Lipscomb trascorse gran parte della sua vita lavorando come contadino e suonando musica solo in contesti locali, fino a quando non fu “scoperto” durante il periodo del revival folk negli anni ’60.
Il suo stile musicale, che Lipscomb chiamava “songster”, era una fusione di vari generi che comprendevano il blues, il ragtime, le ballate e i canti popolari tradizionali, riflettendo l’ampio repertorio che suonava per la sua comunità. La sua tecnica chitarristica era basata sul fingerpicking, che gli permetteva di creare melodie complesse mentre accompagnava le sue storie cantate con ritmo e armonia. Nonostante non abbia mai lasciato il Texas fino a tarda età, il suo impatto sulla scena musicale folk e blues americana fu profondo una volta che divenne noto al pubblico più vasto.
Mance Lipscomb fu “scoperto” nel 1960 da Chris Strachwitz e Mack McCormick, due ricercatori del blues, che lo registrarono per la Arhoolie Records. Il suo album di debutto, “Texas Sharecropper and Songster”, mostrava la sua vasta conoscenza musicale e attirò l’attenzione del pubblico del revival folk. A partire da quel momento, Lipscomb iniziò a esibirsi in vari festival folk e blues in tutto il paese, tra cui il famoso Newport Folk Festival, guadagnandosi la reputazione di uno degli ultimi veri “songsters” della tradizione afroamericana.
A differenza di molti bluesmen del Delta, Lipscomb non si concentrava esclusivamente sui temi della sofferenza e del dolore, ma il suo repertorio includeva anche brani più leggeri e umoristici. La sua capacità di raccontare storie attraverso le canzoni e la sua presenza carismatica sul palco gli valsero il rispetto di molti musicisti più giovani, sia nel blues che nella scena folk.
Mance Lipscomb continuò a suonare e registrare fino alla sua morte il 30 gennaio 1976, lasciando un’eredità di autenticità e maestria musicale. Oggi è ricordato come uno dei maggiori rappresentanti del blues texano e come una figura chiave nel mantenere viva la tradizione dei “songsters”, un ponte tra le antiche forme di musica popolare e il moderno blues.